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TYPHIS, O TIMONEIRO DE ARGO, E FREI CANECA, ESCRITOR DE PAPÉIS INCENDIÁRIOS/ JOÃO SCORTECCI

O semanário Typhis Pernambucano foi fundado e editado pelo escritor, jornalista, clérigo católico e político Frei Caneca (Joaquim da Silva Rabelo, 1779 – 1825). O semanário – impresso no formato 21 x 30 cm – circulou entre 25 de dezembro de 1823 e 12 de agosto de 1824, num total de 29 exemplares. Foi inspirado em Tífis, discípulo da deusa Atena, timoneiro da embarcação Argo, construída com a ajuda da deusa para que Jasão e os argonautas navegassem de Iolcos até Cólquida, para recuperar o Velocino de Ouro – a lã de ouro do carneiro alado Crisómalo. O Typhis Pernambucano trazia, como epígrafe, versos d’Os Lusíadas, de Luís Vaz de Camões: "Uma nuvem que os ares escurece sobre nossas cabeças aparece". Frei Caneca, erudito, de origem humilde, conhecido por esse apelido por ter sido vendedor de canecas quando garoto, em Recife, foi educado no Seminário de Olinda. Dirigindo o jornal, fazia sua pregação republicana, denunciando o autoritarismo imperial e conclamando a população à luta. Em seu primeiro número, lançado em 25 de dezembro de 1823, o Typhis Pernambucano anunciava que o país parecia "uma nau destroçada pela fúria oceânica, ameaçando soçobro, carecendo da ajuda decidida e abnegada de todos os seus filhos". Frei Caneca participou da Revolução Pernambucana (1817), que proclamou uma república e organizou o primeiro governo independente na região. Com a derrota do movimento, foi preso e enviado para Salvador, Bahia, onde permaneceu detido por quatro anos, dedicando-se à redação de uma gramática da língua portuguesa. Libertado em 1821, voltou a Pernambuco e retomou as atividades políticas. Em 2 de julho de 1824, em Pernambuco, eclodiu a Confederação do Equador, movimento revolucionário de caráter republicano e separatista, alastrando-se para outras províncias do Nordeste do Brasil. O movimento, no entanto, não obteve sucesso e acabou derrotado. Frei Caneca foi preso, acusado do crime de sedição e rebelião contra as imperiais ordens de Sua Majestade, e condenado à morte por enforcamento. Nos autos do processo, Frei Caneca foi indiciado como um dos chefes da rebelião e "escritor de papéis incendiários". Armado o espetáculo do enforcamento, em 13 de janeiro de 1825, diante dos muros do Forte das Cinco Pontas, três dos carrascos se recusaram a enforcá-lo. A Comissão Militar ordenou, então, seu fuzilamento atado a uma das hastes da forca. O corpo foi colocado num caixão de pinho e deixado no centro de Recife, em frente ao Convento das Carmelitas. Foi recolhido pelos padres Carmelitas e enterrado em um local até hoje não identificado.

João Scortecci

 

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FRANCISCO WEFFORT E PAULO RENATO: LIVRO GUARDADO / JOÃO SCORTECCI

Em 1998, o Ministro da Cultura Francisco Weffort e o escritor amazonense Márcio Souza, Presidente da Funarte – Fundação Nacional de Artes, foram os organizadores da obra Um olhar sobre a cultura brasileira, publicada pela Funarte/Ministério da Cultura. Um livro belíssimo, capa dura, formato 21 x 28 cm, 472 páginas, impresso em papel couché matte 90 g, pela Lis Gráfica e Editora. O Presidente da República, na época, era Fernando Henrique Cardoso. No time do MinC – Ministério da Cultura, estavam José Álvaro Moisés, Secretário de Apoio à Cultura, Ottaviano de Fiore, Secretário de Política Cultural do Ministério da Cultura, Eduardo Portella, Presidente da Fundação Biblioteca Nacional, entre outros. Eu estava no meu segundo mandato na CNIC – Comissão Nacional de Incentivo à Cultura, como membro do colegiado da Lei Rouanet, responsável pelas Áreas de Humanidades e Integradas. Durante o 1º. Salão Internacional do Livro de São Paulo, em 1999, no dia 23 de abril – Dia Mundial do Livro e do Direito de Autor –, no estande do MinC no Expo Center Norte, na capital paulista, o Ministro Francisco Weffort (1937 – 2021) e o escritor Márcio Souza autografaram um exemplar da obra para o então Ministro da Educação Paulo Renato (Paulo Renato Costa Souza, 1945 – 2011). Ele recebeu o livro, leu a dedicatória, agradeceu e me entregou o exemplar para eu segurar. Eu acompanhava a comitiva do Ministro Weffort, juntamente dos diretores da CBL – Câmara Brasileira do Livro, do MinC e membros da CNIC. Não percebi – estava desatento – quando o Ministro Paulo Renato deixou o estande e foi embora do evento. Fiquei com o livro. Encontrei-o, depois, algumas vezes, em Brasília, mas o livro autografado acabou ficando “esquecido” em São Paulo, para um encontro especial, que acabou nunca acontecendo. O segundo mandato do Presidente da República Fernando Henrique Cardoso terminou em 2003, e o Ministro Paulo Renato, acabou, infelizmente, falecendo em 25 de junho de 2011. Guardo com o maior carinho e respeito o exemplar autografado, na certeza de que um dia fará parte do Memorial Ministro Paulo Renato ou, quem sabe, do Panteão da Pátria e da Liberdade Tancredo Neves, em Brasília. Tesouro de papel, Deus quis assim. 

João Scortecci

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SPAZIO PIRANDELLO, LOYOLA, ZIRALDO E A GAFE / JOÃO SCORTECCI

Uma história puxa outra! Lendo o post de um amigo nas redes sociais, falando de sua amizade e como conheceu o escritor Ignácio de Loyola Brandão, isso nos anos 1970, voltei, também, no tempo. Conheci o Loyola Brandão no início dos anos 1980, no restaurante Spazio Pirandello – na época, casa da boêmia paulista, dos empresários Wladimir Soares e Antonio Maschio – localizado na Rua Augusta, 311, na cidade de São Paulo. Era no Pirandello – ponto de encontro de intelectuais – que a vida literária e cultural da cidade acontecia, no maior estilo. A casa reunia bar, restaurante, livraria, galeria e antiquário. Lançar um livro no Pirandello era o máximo, sinal de casa cheia, sucesso e venda garantida. Fui, então, ao lançamento do livro Livre & Objeto, da escritora cearense Joyce Cavalcante, amiga da UBE – União Brasileira de Escritores. Conhecia pouca gente, e a vida literária era, até então, uma grande novidade. No meio do agito – restaurante lotado, gente saindo pelo ladrão – avistei, de longe, o escritor e cartunista Ziraldo, autor de Flicts (1969), livro do coração, que ganhei de presente do meu irmão José Henrique, em 1972. “É o Ziraldo!”. Não pensei duas vezes. Fui até ele, na maior cara de pau. “Ziraldo, sou sem fã”. Ele me olhou – sorriu – e disse, ao pé do ouvido: “Pena que eu não sou o Ziraldo! Sou o Ignácio de Loyola Brandão". Minha cara caiu. Perdi o rebolado. Quase morri. Loyola, educado, gentil, percebendo o meu desespero, disse-me: “Conheço o Ziraldo. Obrigado por me confundir com ele”. Comprei o livro da escritora Joyce Cavalcante e fui embora. Fiquei um bom tempo longe do Spazio Pirandello. Um dia, do nada, voltei. Enganos acontecem. Até hoje, quando vejo o Loyola – vez ou outra nos encontramos – lembro-me da gafe. Acontece!   

João Scortecci

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ALEGRIAS E TRISTEZAS DE INA VON BINZER / MARIA MORTATTI

No período imperial brasileiro, seja pela falta de escolas adequadas seja por imitação do costume da nobreza europeia, famílias abastadas, principalmente da elite cafeeira, por meio de anúncios de jornal de oferta ou procura, contratavam preceptoras estrangeiras – francesas, inglesas, alemãs – para educação de seus filhos. Foi assim que Ina von Binzer (3.12.1856 – 17.12.1929), a jovem preceptora alemã então com 25 anos de idade chegou ao Brasil, em 1881. Trazia consigo muitas ideias de como seria o novo país e, na bagagem, as 40 cartas pedagógicas de Bormann – manual alemão em cujo método confiava para os momentos difíceis com os alunos, como aprendera em sua formação para o magistério. Foi contratada inicialmente pelo Dr. Rameiro (?), proprietário da Fazenda São Francisco, na província do Rio de Janeiro, onde, por alguns meses, cuidou da educação de sete de seus doze filhos, ensinando-lhes alemão, francês, música, história, geografia, conhecimentos gerais, entre outros. Pediu demissão por recomendação médica – cansada do excesso de trabalho e da rotina desgastante –, retornando em seguida à atividade em liceu feminino na Corte, onde, por três meses, lecionou inglês, francês e piano. Insatisfeita com a vida no Rio de Janeiro e aconselhada pelo cônsul alemão a se mudar para São Paulo, onde havia mais imigrantes alemães, Ina von Binzer foi contratada pelo Dr. Costa (Martinico da Silva Prado), residente na capital paulista, para a educação de seus filhos, uma “sequência histórica” de nomes romanos: Caio, Plínio, Lavínia, Clélia e Cornélia. Devido a um grave acidente urbano que resultou na morte de um cavalo causada pelo mau comportamento das crianças, o pai enviou quatro delas para internato, e Fräulein Ina perdeu o emprego. Foi, então, contratada pelo Sr. Sousa (Bento Aguiar de Barros) proprietário da Fazenda São Sebastião (São Luís, próxima à cidade de Americana), no interior paulista, para a educação de suas três filhas. Depois de viagem à capital para a festa de Natal com os Schaumann, família proprietária da Botica Veado de Outro, e à cidade de Santos, acompanhando a família Souza, Ina von Binzer encontrou George Hall (nome não confirmado), engenheiro inglês e representante industrial, que fiscalizava a montagem de máquinas agrícolas. Apaixonou-se por ele e deixou o Brasil no início de 1884, retornando à Alemanha, onde passou a se dedicar à carreira de escritora e se casou, assumindo o nome Ina Sofie Amalie von Bentivegni.

Entre maio de 1881 e final de janeiro de 1884, Ina von Binzer escreveu 40 cartas endereçadas à amiga alemã Grete e assinadas com o pseudônimo Ulla von Eck. Foram reunidas no livro Lied und Freud einer Erszierherin in Brazilien, publicado em Berlim, Alemanha, em 1857. Em 1956, foi editada no Brasil, pela editora Anhembi, a primeira tradução, por Alice Rossi e Luisita da Gama Cerqueira, com o título Os meus romanos – Alegrias e tristezas de uma educadora alemã no Brasil – inspirado nos nomes dos filhos de Martinico Silva Prado – e prefaciado pelo escritor Paulo Duarte (1899 – 1984). Em 1980, foi publicada outra edição pela Paz e Terra, com acréscimo de apresentação pelo escritor Antônio Callado (1917 – 1997). O livro continua sendo editado, lido e estudado como fonte documental para historiadores da educação, economia, sociedade, política, gastronomia, entre outros. É também uma das fontes documentais que utilizei na pesquisa para a tese de livre-docência de 1997, publicada no livro Os sentidos da alfabetização  São Paulo – 1876/1994 (Editora Unesp, 2000/2021). 

Do prefácio e da apresentação do livro foram extraídas informações para compor a biografia da autora e ilações sobre referências a pessoas e lugares identificadas nas cartas como nomes fictícios, provavelmente porque, conforme regras missivistas do século XIX, as mulheres deveriam ser contidas em seus sentimentos e discretas. Nas palavras de Paulo Duarte, o livro é “um excelente documentário sobre a vida brasileira do século XIX” e uma “excelente obra literária”. Para estudiosos, o livro pode ser classificado como relato de mulheres viajantes ou romance epistolar ou romance de formação. Nas cartas, estão registrados sentimentos, impressões, vivências, reflexões e informações sobre aspectos culturais, sociais e políticos do final do período imperial brasileiro. Pelo olhar de sua rígida formação europeia-germânica, a jovem preceptora descreve e comenta, ora angustiada ora bem-humorada, aspectos, tais como: sua inadaptação inicial à forma de educação das crianças das famílias abastadas e aos costumes culturais e gastronômicos, a falta de civilidade mas também, por vezes, a cordialidade do povo, as belezas naturais e a culinária –, os problemas sociais como a escravidão dos negros, estranhando o modo como eram tratados, mas deixando transparecer certo preconceito, como no trecho em que relata que o Dr. Costa foi buscá-la na estação em uma carruagem europeia – conversavam em francês durante o percurso –, conduzida por uma “cocheiro preto”, escravo obediente Entre suas observações como educadora, registra a inadaptação e desânimo em relação ao “ensino superficial”, reclamava do salário, da indisciplina, impontualidade e barulho dos alunos, constatando que a pedagogia alemã era inadequada e reconhecendo que se devia adotar aqui uma pedagogia brasileira “calcada nos moldes brasileiros e adaptada ao caráter do povo e às condições da vida doméstica”, pois “O nosso Bormann, ou melhor, suas quarenta cartas pedagógicas que não têm aqui a menor utilidade”. Aos poucos, foi se adaptando, mas não esquecia sua terra natal: “Realmente, estou sendo ingrata, pois todos são tão gentis comigo e o país é lindo como um conto de fadas; mas não posso modificar-me e não me sai da cabeça uma canção: ‘É muito belo um país estranho  mas nunca se tornara uma pátria’”. 

Há 140 anos, Ina von Binzer partia do Brasil. Sua última carta a Grete é assinada como Ulla Hall e em nome também de George Hall. A breve experiência brasileira – especialmente com seus rebeldes e indisciplinados “romanos” – proporcionou-lhe tristezas e alegrias no ofício de preceptora, o encontro encontro com seu futuro marido e, sobretudo, a criação da obra de maior repercussão, pelo que se sabe de sua carreira como escritora. O costume das elites de contratação de preceptoras estrangeiras se estendeu ao início do século XX, como representado em Amar, verbo intransitivo (1927), de Mário de Andrade, inspiração para o filme Lição de amor (1975), de Eduardo Escorel. E as alegrias e tristezas da educadora alemã do século XIX perduram como pioneiro registro de sinceras confidências pessoais a iluminar um capítulo de sua e de nossa história.

Maria Mortatti – 04.01.2024


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PEDRA DE PONTA CURVADA E O “LIVRO DA COZINHA DEL REI” / JOÃO SCORTECCI

“Foi para Portugal perdeu o lugar!” é um ditado de sabedoria milenar. Confesso: não o conhecia. Significado: se algo é abandonado, alguém irá tomar posse, com certeza. O ditado teve origem nas primeiras décadas do século XX, quando muitos portugueses imigraram para o Brasil em busca de trabalho. Hoje a história se inverteu: grande número de brasileiros que foram em busca de trabalho, segurança financeira e qualidade de vida em Portugal acabaram voltando. Não era bem o que imaginavam! Com o tempo, surgiram variações do “Foi para Portugal perdeu o lugar!”, todas na mesma linha: “Foi namorar perdeu o lugar”, “Cochilou o carimbo caiu”. Coleciono – aleatoriamente – ditados populares, em especial os portugueses, que, na sua origem, contam histórias quase sempre engraçadas. Isso desde que descobri que o meu tataravô português – por parte de pai– chamado Monteiro, nascido em Avelar, freguesia portuguesa do Concelho de Ansião, distrito de Leiria, veio para o Brasil depois do grande terremoto que destruiu a cidade de Lisboa, no ano de 1755. Monteiro embarcou para a Capitania do Ceará, fugindo das perseguições religiosas promovidas pelo poderoso primeiro-ministro português Marquês de Pombal, durante o reinado de D. José I (1750 – 1777), conhecido na história como “Período Pombalino”. Monteiro, cristão-novo, fixou residência no lote compreendido da foz do Rio Jaguaribe à foz do Rio Mundaú, região habitada pelos índios Cariris. Tornou-se amigo da tribo, recebendo de presente uma esposa índia. A jovem – uma menina de 13 anos – não queria se casar. Tentou fugir. Foi laçada e amarrada no lombo de uma montaria e levada por Monteiro para a região onde hoje está localizada a cidade de Quixadá, no coração do Ceará. Uma expressão portuguesa que julgo interessante é “meia-tigela”, da época da monarquia portuguesa. Ao povo da Corte – criados, pajens, oficiais – que não morava no palácio servia-se comida, observando as rações previstas no “Livro da Cozinha del Rei”. O manual estipulava a porção de cada um, de acordo com a importância do serviço que prestava. E assim alguns ganhavam tigela inteira; outros, meia tigela. Aqui cabe uma variação do ditado popular “Vivendo e aprendendo”, difundida, entre outros, pelo escritor e crítico literário mineiro Fábio Lucas: “Morrendo e aprendendo!” Tenho dito. 

João Scortecci

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AS LEIS DA POESIA E AS PERCEPÇÕES DO MARKETING / JOÃO SCORTECCI

No ano de 2010, recebi de presente do amigo e editor Milton Mira de Assumpção Filho um exemplar do livro “As 22 consagradas leis de propaganda e marketing”, de Michael Newman. A obra – recomendadíssima – foi base na preparação do seminário “Como vender serviços gráficos e fidelizar clientes” que preparei para profissionais do mercado gráfico. Vez por outra recebo convite para reapresentação do trabalho, o que me obriga – sempre – a revisar o PowerPoint. Faço poucas alterações: incluo casos novos e troco algumas imagens. As 22 “consagradas” leis de propaganda e marketing continuam pertinentes e oportunas. Um amigo e grande publicitário – já falecido – dizia sempre: “Marketing é uma enganação útil e necessária”. Concordo e discordo, muito pelo contrário. Depois da sua prematura morte, ficou um “mantra” nas minhas resoluções de vida empresarial. Ambos cultivávamos a “Lei do marketing da singularidade”: “Em cada situação, apenas um único movimento produz resultados substanciais”. Efeito borboleta! No resto – nas demais leis do marketing – discordávamos, sempre. Nossa amizade intelectual era um exercício de provocações! Estou agora finalizando a releitura do capítulo 4, do livro “As 22 consagradas leis de propaganda e marketing”, de Michael Newman. O capítulo trata do “marketing da percepção”. Resumo: “O marketing nunca será uma batalha de produtos, e sim de percepções!” ou “Uma poesia nunca será uma batalha de palavras, e sim de percepções.” Algo assim. A poesia não dorme, adormece. E quase sempre: salva!

João Scortecci


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DEUS EX MACHINA, A SOLUÇÃO QUE CAI DO CÉU / MARIA MORTATTI

Deus ex machina” (“deus surgido da máquina”) – expressão originada do grego, mas difundida em Latim – designa o recurso técnico utilizado para solucionar desenlaces complicados em tragédias do teatro grego (e romano), como em algumas peças de Ésquilo, Sófocles e Eurípides: um deus aparecia subitamente em cena, por meio de um mecanismo que o fazia descer do teto, podendo se elevar do solo e se movimentar. Em sua Arte poética, o filósofo grego Aristóteles (IV a.C.) advertia, porém, sobre os abusos desse recurso, quando não resultava da lógica interna do enredo: “Ao deus ex machina (...) não se deve recorrer senão em acontecimentos que se dão fora do drama ou no passado, anteriores aos que se desenrolam em cena, ou nos que ao homem é vedado conhecer, ou nos futuros, que necessitam ser preditos ou pronunciados, – pois que aos deuses atribuímos nós o poder”. Outros poetas e filósofos gregos e latinos, como Antiphanes, Platão e Horácio, também criticaram o uso e o abuso do recurso.    

Um dos mais conhecidos usos desse recurso dramático e cênico está no desenlace da peça Medeia, de Eurípedes, encenada em 431 a.C. e baseada em antigo mito grego, mencionado na Odisseia, de Homero, e em peças anteriores do dramaturgo. A protagonista Medeia, filha do rei Eeta e neta do deus Helios – deus Sol na mitologia romana –, foge com Jasão, depois de ajudá-lo a conquistar o Velocino de Ouro e tramar a morte do rei Pélias. Mas, dez anos depois, Jasão a rejeita para se casar com Glauce, filha do rei de Corinto, que a expulsa da cidade com os filhos. Para se vingar, ela assassina Glauce, o rei Corinto e os filhos que teve com Jasão. Ao final da peça, perseguida por Jasão, Medeia é salva da morte pela carruagem de seu avô, Helios, a qual aparece subitamente no alto do palco, por meio do recurso ao deus ex machina, resgatando-a e os corpos dos filhos. Ela, então, foge para Atenas. 

Nesse caso, o deus ex machina é justificado por Aristóteles como necessário para o assombro/temor provocado pelas tragédias, argumento que foi criticado por Friedrich Nietzsche, no século XIX, pelo caráter “otimista” a representar uma falsa sensação de consolo. O recurso foi também utilizado nos “milagres” e “mistérios” – gêneros do teatro medieval, nos séculos XIII e XV, centrados nos milagres de Nossa Senhora, como a dea ex machina que intervinha miraculosamente no desenlace da peça – e pelos dramaturgos renascentistas. Até hoje pode ser identificado em peças de teatro, filmes, narrativas ficcionais e outras expressões artísticas, nem sempre, porém, como recurso necessário ao desenvolvimento ou desenlace do enredo, difundindo-se também críticas, como a de ser uma solução simplista, artificial e incoerente,  por vezes mero truque, que indica falta de capacidade do autor em resolver problemas dramáticos ou cênicos, prejudicando a verossimilhança e a qualidade da obra. Para outros críticos contemporâneos, o recurso se justifica, e seu uso deliberado se torna necessário para a aproximação com a audiência ou leitores ou mesmo para criar efeito cômico.

Por extensão, o recurso criado pelos gregos passou a ser usado correntemente em sentido figurado para indicar algo ou alguém que representa solução repentina e inesperada para um problema insolúvel ou que parecia ser. E, mesmo quando não se conhece a expressão ou não se sabe da história, o deus ex machina continua funcionando como solução – verossímil ou não, otimista ou não, mas que consola, ainda que temporariamente – para nossas cotidianas tragédias e comédias de meros mortais. Algo como a desejada solução que cai do céu.

Maria Mortatti – 27.12.2023



 

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REVISTA "KLAXON", MENSÁRIO DE ARTE MODERNA / JOÃO SCORTECCI

A revista Klaxon foi a primeira publicação modernista brasileira a circular depois da Semana de Arte Moderna, realizada no Theatro Municipal de São Paulo, de 13 a 17 de fevereiro de 1922. Circulou de 15 de maio de 1922 a janeiro de 1923, num total de nove números mensais, os dois últimos em edição dupla. “Klaxon” – nome da marca de uma famosa buzina de automóvel norte-americana que fazia um barulho infernal – foi o título escolhido para a revista, propagando, assim, seu perfil de típica agressividade vanguardista. No comitê de redação, estavam Menotti del Picchia (1892 – 1988) e Guilherme de Almeida (1890 – 1969). Além deles, eram colaboradores: Sérgio Milliet, Oswald de Andrade, Mário de Andrade, Luís Aranha, Rubens Borba de Moraes, Anita Malfatti, Sérgio Buarque de Holanda, Tarsila do Amaral e Graça Aranha, entre outros artistas e escritores. Victor Brecheret (1894 – 1955) e Di Cavalcanti (1897 – 1976) eram os ilustradores. Entre as diversas revistas modernistas que proliferaram no Brasil dos anos 1920, Klaxon sem dúvida foi a mais audaciosa, a mais renovadora e a mais criativa. Destacou-se, ainda, pela publicidade e pela propaganda impactantes para sua época, como o “case” da marca Lacta: o verbo “comer”, no modo imperativo, foi repetido oito vezes na capa, formando um quadrado com a palavra e, dentro dele, um triângulo formado com a repetição da palavra "Lacta". Ousavam também no uso da tipografia, num estilo concretista que só surgiria décadas depois. No site da FBN – Fundação Biblioteca Nacional, encontrei as seguintes informações técnicas sobre a revista Klaxon: Redação: Rua Uruguay, 14, Jardim América, São Paulo; assinatura anual por 12 mil réis, e número avulso por mil réis; era impressa no formato 19 x 27,5 cm, com 20 páginas, aproximadamente; e tinha representantes no Rio de Janeiro (Sérgio Buarque de Holanda), em Genebra, na Suíça, e em Bruxelas, na Bélgica. No editorial do número 1 da Klaxon, há explicações sobre o nome, proposta e desafios. Segue: “A lucta começou de verdade em princípios de 1921 pelas columnas do ‘Jornal do Commercio’ e do ‘Correio Paulistano’. Primeiro resultado: Semana de Arte Moderna – especie de Conselho Internacional de Versalhes. Como este, a Semana teve sua razão de ser. Como elle: nem desastre, nem triumpho. Como elle: deu fructos verdes. Houve erros proclamados em voz alta. Pregaram-se ideias inadmissíveis. É preciso reflectir. É preciso esclarecer. É preciso construir. D'ahi, KLAXON. E Klaxon não se queixará jamais de ser incomprehendido pelo Brasil. O Brasil é que deverá se esforçar para comprehender KLAXON. Klaxon sabe que a vida existe. E, aconselhado por Pascal, visa o presente. KLAXON não se preoccupará de ser novo, mas de ser actual. É essa a grande lei da novidade. KLAXON não é futurista. KLAXON é klaxista”. 

João Scortecci











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A CANÇÃO DOS FANTASMAS NATALINOS DE CHARLES DICKENS / MARIA MORTATTI

A Christmas Carol. In Prose. Being a Ghost Story of Christmas (Uma canção de Natal. Em prosa. Sendo uma história de fantasmas de Natal), é um clássico natalino escrito há 180 anos pelo inglês Charles Dickens (7.2.1812 – 9.9.1870), autor de outras histórias do gênero, além de romances, contos, peças de teatro, artigos em jornal e folhetins semanais, compondo uma obra com personagens que se tornaram icônicos e apreciados por leitores e críticos, em especial pela exposição dos problemas sociais, como pobreza, desemprego, trabalho infantil, condições degradantes do trabalho fabril, na Era Vitoriana (1837 – 1901). Uma canção de Natal foi escrito em apenas seis semanas, por pressão financeira – estava para nascer seu quinto filho – e depois de seu regresso de viagem em que constatou as péssimos condições de vida e trabalho dos pobres ingleses e de educação de crianças pobres em “escolas maltrapilhas”. Dickens tinha então 31 anos de idade, mas já era famoso nos países de língua inglesa, como autor dos romances The Pickwick papers (Os Cadernos de Pickwick), de 1836, e Oliver Twist, de 1837. Uma canção de Natal foi financiado pelo autor – que cuidou meticulosamente da preparação e edição com a alta qualidade que desejava, e foi lançado em Londres, em 19.12.1843, pela Chapman & Hall, com ilustrações de John Leech e preço acessível. Rapidamente se tornou o livro de maior sucesso da época. A primeira edição se esgotou na véspera daquele Natal: foram vendidos mais de 6.000 exemplares ou 16.500, conforme outros registros. Em 1844, teve mais de 13 edições, e sua popularidade continua até os dias atuais. Além das reedições e traduções integrais para muitos idiomas, durante 180 anos teve mais de 100 versões ou adaptações para livro, cinema, TV, teatro, balé, ópera, videogame, história em quadrinhos...

Nos moldes de carol (canção natalina), o livro está estruturado em cinco estrofes/capítulos em prosa, em que se narra a história de Ebenezer Scrooge, um velho avarento e egoísta, que odeia o Natal e tinha “gelo na alma”. Na noite da véspera de Natal, recebe a visita de três fantasmas/espíritos natalinos – histórias de fantasmas contadas no Natal eram uma tradição vitoriana. O Fantasma dos Natais Passados o faz recordar o jovem de bons sentimentos que fora. Com o Fantasma do Natal de Hoje viu seu isolamento e solidão. O Fantasma dos Natais Futuros lhe mostrou a tristeza da indiferença em relação a sua morte, se continuasse a não se importar com a dor e sofrimento das pessoas, que o fantasma o fez ver. Ele se arrepende e se torna um homem generoso que passa a personificar o espírito do Natal e defender as festas natalinas. O nome "Scrooge", porém, passou a ser usado correntemente com o sentido figurado de "sovina", "pão-duro".

Como acontece na criação literária, pode-se presumir que, nessa e nas outras histórias que escreveu, Dickens se inspirou em experiências de sua vida. Filho de escrivão, com dificuldades financeiras que levaram o pai à prisão, Dickens foi obrigado a abandonar estudos escolares com 15 anos de idade, para trabalhar em fábrica de graxa, depois em escritório e depois como jornalista. Essas experiências contribuíram para sua defesa de causas sociais em favor dos mais pobres, por meio da criação literária e de suas atividades em campanhas e organizações de caridade. Mas há também marcas menos generosos em sua biografia. Em 1836, casou-se com Catherine Thomson Hogarth Dickens (19.5.1815 – 22.11.1879), filha de George Hogarth, jornalista, editor de jornal, crítico musical e escritor. O casal viveu junto durante 15 anos e teve 10 filhos, além de dois abortados espontaneamente. Em 1858, Dickens exigiu a separação conjugal – divórcio era um escândalo para a época –, alegando que Catherine perdera a beleza e as qualidades de esposa, mãe e dona de casa, com que ele sonhara, e lhe dava muitos filhos cujo sustento lhe causava graves dificuldades financeiras. Como criativo “método contraceptivo”, contam seus biógrafos que ele passou a usar uma estante de livros para separar os corpos, no quarto do casal.  E a crueldade com a esposa chegou ao ponto de exigir sua internação em manicômio, o que foi recusado pelo médico. Dickens, então, expulsou-a da casa em que moravam, deixando-a levar apenas um dos filhos; os demais foram criados por ele com a ajuda de uma das irmãs de Catherine, que, especulava-se, mantinha também relacionamento mais íntimo com o cunhado. Sabia-se, porém, que, além de outros possíveis casos extraconjugais de Dickens, o motivo da separação, não assumido publicamente, era o relacionamento do escritor com a jovem atriz inglesa, Ellen Ternan – que Catherine descobriu devido a um bracelete que foi equivocadamente entregue em seu endereço... . Conforme relato de sua tataraneta, Catherine era escritora, atriz e cozinheira – lançou livro de receitas para donas de casa –, mas foi apagada pelo casamento com o grande escritor que se tornou famoso, mundialmente conhecido por seus livros e pelas leituras públicas de sua obra – atividade de sucesso em que foi pioneiro. Em 1865, Dickens sofreu um derrame cerebral e faleceu com 58 anos de idade, deixando inacabado seu último romance The mystery of Edwin Drood. Catherine faleceu 14 anos depois, com 64 anos de idade. Mais recentemente, vem sendo redescoberta, para além de “esposa de Charles Dickens”. 

Uma canção de Natal se tornou um clássico e sinônimo de festa natalina como conhecemos hoje no Ocidente cristão. Dickens é lembrado como um dos escritores mais importantes e influentes do século XIX, que soube encontrar o equilíbrio entre arte e entretenimento, conquistando a admiração de críticos literários, escritores e leitores. As pessoas se aglomeravam para assistir a suas leituras dramáticas de cenas de seus livros. O escritor russo Fiódor Dostoiévski se sentiu honrado ao conhecê-lo, quando visitava a Grã-Bretanha. O escritor inglês William M. Thackeray, um dos eminentes romancistas vitorianos, embora rival literário de Dickens, reconheceu a relevância de A Christmas carol: "um benefício nacional e, para cada homem ou mulher que o lê, uma delicadeza pessoal”.  E eu, nesta véspera de Natal na terceira década do século XXI, ao reler Uma canção de Natal e escrever este texto, reencontro a grandeza do legado de Dickens, apesar ou por causa das contradições entre a crueldade do homem, a generosidade do “engajamento” social e a qualidade estética de sua obra. Constato, assim, mais uma vez, que, em certos ou em todos os casos, o autor, como tal, existe na obra que cria, menos como reflexo ou refração de si e seu tempo do que como projeção do desejo de também receber a visita dos espíritos de Natal. Em qualquer tempo. Se existirem.

Maria Mortatti – 24.12.2023 

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HOUAISS E O "ENTERRO DOS OSSOS" / JOÃO SCORTECCI

Enterro dos ossos! Ricos e pobres – cada um na sua – costumam, depois das festas de final de ano, celebrar, em data única, o enterro dos ossos. Missão – quase – impossível. Sempre sobra alguma coisa que acaba indo para o lixo. No Ceará dos anos 1960, mamãe Nilce desfiava o peru. Isso na ceia de Natal. No dia seguinte, a carcaça enriquecia a canja das almas, e as sobras, a farofa de ovo com banana! Na virada do Ano Novo, era a vez do pernil. Repeteco gastronômico. Todo ano a mesma promessa: muita comida! Desperdício. Menos com as sobremesas: pudim, pavê, mousse de chocolate, manjar, doce de leite com queijo branco, quindim e sorvete. Já viu alguém levar para casa – depois da comilança – marmita de sobremesa? Eu. Existe a turma da fruta. Respeito, claro. “Enterro dos ossos”, no Dicionário Houaiss da língua portuguesa, significa “banquete, aproveitando o que sobrou”. O amigo Antônio Houaiss era um “crânio” brilhante. Gostava de contar causos gastronômicos e, quando o fazia, usava toda a maestria de um filólogo gourmet. No final dos anos 1980, eu, Houaiss e o escritor e artista plástico Enio Squeff combinamos de comer uma "pasta" no restaurante Gigetto. O Mestre Houaiss adorava pratos exóticos, impróprios, explosivos, quase mortais. Perguntei-lhe: “Qual de todos os pratos lhe foi mais difícil comer?”. Houaiss nos surpreendeu: “Cérebro de macaquinho vivo!”. Depois, sem pressa, fatiou-nos com sabedoria e inteligência sua cerebral aventura, num pequeno país do leste europeu. O estômago virou. O povo do restaurante, vizinhos de mesa e até os garçons fecharam o cerco para saborear a contação do Mestre. Privilégio! Desisti da "pasta". Houaiss, não. Comeu com gosto. Tarde da noite, o restaurante se esvaziou e tiveram – infelizmente – de fechar. Já era hora de partir. “Sobremesa?” “Não”, respondi. Talvez tenha sido a única vez na vida em que recusei um pudim de leite, um Petit gateau ou um Romeu e Julieta. Lá fora – na pauliceia desvairada – acontecia uma prévia alvorada. Mestre Houaiss nunca mais se repetiu na minha vida. Foi quase uma despedida. Faleceu no dia 7 de março de 1999, aos 83 anos de idade. Lembro-me de um assunto daquela noite: viver para o “enterro dos ossos” da virada do século. Não deu tempo.

João Scortecci

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REVISTA "PRESENÇA" E O MODERNISMO PORTUGUÊS / JOÃO SCORTECCI

A revista portuguesa Presença – Folha de Arte e Crítica foi uma das mais influentes revistas literárias do Século XX. Foi lançada em Coimbra, a 10 de março de 1927, sendo publicados 54 números, durante 13 anos, até à sua extinção em 1940. A revista foi fundada por João Gaspar Simões e Branquinho da Fonseca e dirigida pelos dois e pelo poeta, dramaturgo, memorialista e historiador José Régio (José Maria dos Reis Pereira, 1901 – 1969).  Presença defendeu a criação de uma literatura mais viva, livre, oposta ao academismo e jornalismo rotineiro, primando pela crítica, pela predominância do individual sobre o coletivo, do psicológico sobre o social, da intuição sobre a razão. O Modernismo português teve início nos primeiros anos do século XX e desenvolveu-se até o final do Estado Novo, na década de 1970. Trata-se de um período amplo da história da literatura portuguesa, no qual três diferentes momentos podem ser observados: o Orfismo – fundado por artistas plásticos e escritores, entre eles Fernando Pessoa, Mário de Sá-Carneiro, Almada Negreiros, Raul Leal, Luís de Montalvor e o brasileiro Ronald de Carvalho (Ronald Arthur Paula e Silva de Carvalho, 1893 – 1935); o Presencismo – representado por importantes nomes, entre eles os escritores José Régio, Miguel Torga, João Gaspar Simões, Adolfo Casais Monteiro e Branquinho da Fonseca; e o Neorrealismo – corrente artística moderna de vanguarda, com influência socialista, comunista e marxista. O marco inicial da literatura neorrealista portuguesa foi a publicação do romance “Gaibéus” de Alves Redol (António Alves Redol, 1911 – 1969), em 1940. “Gaibéus” são camponeses da província portuguesa do Norte do Ribatejo ou da Beira Baixa que vão trabalhar nas lezírias durante a ceifa do arroz. Destacam-se, ainda, os escritores: Ferreira de Castro, Mario Dionísio, Manuel da Fonseca, Fernando Namora e Soeiro Pereira Gomes. O Neorrealismo ocorreu em diversos países europeus e teve influência no Brasil, com temáticas notadamente nacionalistas e regionalistas. O romancista, ensaísta, poeta, advogado, professor, folclorista e sociólogo Zé Américo (José Américo de Almeida, 1887 – 1980) com sua obra A Bagaceira (1928), marca o início do romance regionalista no Brasil. Outros importantes nomes: Rachel de Queiroz, Graciliano Ramos, Jorge Amado, José Lins do Rego e Érico Veríssimo.  

João Scortecci


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LÍNGUA FERINA E A DAMA QUE TINHA UM CRAVO NA BOCA / JOÃO SCORTECCI

“Alcunha” – do árabe “al-kunya”: apelido que substitui um nome próprio. São também sinônimos de “alcunha” as palavras “apodo”, “antonomásia”, “cognome” e “epíteto”. Alcunhado de “Boca do Inferno”, o poeta e advogado luso-brasileiro Gregório de Matos (Gregório de Matos Guerra, 1636 – 1696) é considerado um dos maiores poetas do Barroco (estilo marcado pelo rebuscamento, requinte e exagero de adornos) e o mais importante poeta satírico da literatura em língua portuguesa do Brasil colonial. Ganhou o “cognome” por sua ousadia em criticar padres, freiras, a Igreja católica e autoridades políticas: “Ninguém vê, ninguém fala, nem impugna,/ E é que quem o dinheiro nos arranca,/ Nos arranca as mãos, a língua, os olhos.” Gregório de Matos é também considerado um poeta “pornográfico” e um poeta maldito (“poète maudit”), praticante da desobediência absoluta, da rejeição a toda e qualquer regra imposta e da recusa em pertencer a qualquer ideologia instituída. Em 1685, o promotor eclesiástico da Bahia o denunciou ao tribunal da Inquisição. Em 1694 foi deportado para Angola, onde permaneceu por um ano. Voltou ao Brasil e foi morar no Recife/PE, com a proibição de não pisar na Bahia. Escreveu: “Quanto mais que é escusado/ na boca o cravo: porque/ prefere, como se vê/ na cor todo o nacarado:/ e o mais subido encarnado/ é de vossa boca escravo:/ não vos fez nenhum agravo/ ele de vos dar querela,/ que menina, que é tão bela,/ sempre tem boca de cravo.” Gregório de Matos morreu no Recife, aos 59 anos de idade, vitimado por uma febre contraída em Angola.

João Scortecci


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"O HOMEM É O LOBO DO HOMEM" / JOÃO SCORTECCI

Asinaria - Comédia do asno - é uma peça do dramaturgo romano Plauto (Tito Mácio Plauto, c. 230 a.C. – 180 a.C.), que viveu durante o período republicano e é autor da célebre frase “Lupus est homo homini, non homo, quom qualis sit non novit.” (“O homem que não se conheça tal como é, é lobo para o homem.”).  Plauto, na Comédia do asno – conta a história de Demêneto, um senhor avarento que ludibriou sua rica mulher de todas as formas possíveis para conseguir seu dinheiro. Plauto escreveu 21 peças, no período entre 205 a.C. e 184 a.C. Suas comédias estão entre as obras mais antigas em latim preservadas integralmente até os dias de hoje. A célebre frase do romano Plauto foi popularizada pelo matemático, teórico político e filósofo inglês Thomas Hobbes (1588 – 1679), no seu livro Leviatã, quando reafirmou: “O homem é o lobo do homem”. Thomas Hobbes nasceu em Westport, na Inglaterra. Filho de um clérigo anglicano, foi criado e educado por um tio. Aos 15 anos de idade, foi matriculado na Magdalen Hall da Universidade de Oxford, onde se formou em 1608. Durante toda a sua vida esteve conectado com a monarquia inglesa. Entre 1621 e 1625, foi secretário do político, do cientista Francis Bacon (1561 – 1626), ajudando-o a traduzir alguns de seus ensaios para o latim. A obra Leviatã – referência ao monstro bíblico homônimo – ou “Matéria, palavra e poder de um governo eclesiástico e civil”, foi publicada em 1651. Diz respeito à estrutura da sociedade e do governo legítimo e é considerada um dos exemplos mais antigos e mais influentes da teoria do contrato social. Hobbes alega serem os humanos egoístas, egocêntricos e inseguros por natureza, quando reafirma o pensamento de Plauto: “O homem é o lobo do homem”. Que ele – o homem – necessita de um soberano que puna aqueles que não obedecem ao contrato social: “Onde não existe governo ou lei, os homens naturalmente caem em discórdia”. Thomas Hobbes faleceu em Hardwick Hall, Inglaterra, no dia 4 de dezembro de 1679, com 91 anos de idade. Em seus últimos anos de vida, deixou como legado a tradução da Ilíada e da Odisseia para a língua inglesa. 

João Scortecci


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LIVROS: NO TEMPO DO PESTAPE, DA COLA DE BENZINA, DO ESTILETE E DA IBM COMPOSER / JOÃO SCORTECCI

Abri oficialmente a Scortecci Editora no ano de 1982. Já trabalhava com edição e impressão de livros, desde 1978. O primeiro computador da empresa chegou em 1992, e a Internet – discada e barulhenta – no início de 1998. Costumo dizer que sou do tempo do pestape, da cola de benzina, do estilete e das máquinas IBM Composer, de esfera. O primeiro domínio na Internet foi o “scortecci”, em 1998, e a primeira loja de venda de livros “asabeça – cabeça que voa”, em 1999. É dessa época a inesquecível Maria Luíza, 18 anos de idade, estagiária de Comunicação. Cuidava do site, da loja e do cadastro da editora. De volta de uma viagem pelo interior de São Paulo, encontrei Maria Luíza chorando, arrancando os cabelos. “O que aconteceu?” Ela, aos prantos, respondeu-me: “Sr. Scortecci, estou desconectada do mundo! A Internet não funciona – travou tudo – e eu não sei mais o que fazer!”. “Não?” Maria Luísa estava totalmente fora de si. Enlouquecida! Justificou-se: “Preciso falar – urgente – com um autor”. “Calma! Calma!” Deixa eu dar uma olhada na ficha de atendimento do autor.” Ela me entregou a ficha. Completa, legível, com número de telefone e tudo, melhor impossível. “Você sabe que aparelho é esse na sua mesa?”, perguntei, apontando para o aparelho de telefone. “Sei. Claro. Um telefone. Por quê?” “Sabe para que serve?”, insisti. “Claro!”, respondeu-me, já de cara feia. “Que tal você discar para o autor?” “Posso?” Não respondi. Virei as costas e fui embora. Foi o que ela fez. Discou e conversou – demoradamente – com o autor. Naquele mesmo dia, no final da manhã, reuni todos os sete estudantes estagiários para um bate-papo sobre os primórdios da editora. Contei-lhes, então, que, antes dos computadores, da Internet, dos aparelhos de fax, das copiadoras e impressoras, dos scanners e, mais recentemente, dos aplicativos, do CD, do pen drive, dos arquivos nas nuvens, dos celulares, dos smartphones, das redes sociais e outros, tudo era – muito – diferente e também funcionava. Disse-lhes: “Sou do tempo do pestape, da cola de benzina, do estilete e das máquinas IBM Composer, de esfera.” Deram risada, de tudo. De mim também, claro. Um detalhe importante: naquele mesmo ano tratei de trocar todos os aparelhos de telefone de discar por moderníssimos aparelhos de teclar, sem fio. A ficha caiu, de vez. Melhor impossível.

João Scortecci


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REENCONTRO COM DE AMICIS EM SEU "CORAÇÃO" / MARIA MORTATTI

Edmondo De Amicis (21.10.1846 – 11.03.1908), jornalista, escritor e militar italiano de Oneglia, é autor de obra com mais 60 títulos – entre romances, relatos de viagens, artigos e outros gêneros –, que ficaram obscurecidos pelo sucesso editorial de Cuore, libro per i ragazzi (Coração, livro para meninos), lançado em 1886, pela editora Treves, de Milão. Em poucos meses, o livro alcançou 40 edições e, três anos depois, 98 edições, seguidas – até os dias atuais – de muitas outras, de traduções para várias línguas e adaptações em em livros, filmes e peças de teatro. Cuore consagrou o autor, que se tornou um dos mais lidos na Itália, e o livro, um dos mais populares clássicos da literatura escolar e infantil mundial. No Brasil, também teve várias traduções e serviu de inspiração para adaptações por autores de livros de leitura escolar e de literatura para crianças.

No prefácio, o autor informa que o livro é dedicado às crianças entre 9 e 13 anos de idade e foi composto com anotações de um aluno do terceiro ano de uma escola pública de Turim, durante um ano letivo (outubro a julho, com férias de dois meses, conforme calendário europeu). Foram, depois, escritas pelo pai “tentando não alterar o pensamento e preservar, tanto quanto possível, as palavras do filho”, o qual, mais tarde, também acrescentou “algo de sua autoria”. A narrativa está dividida em 10 partes – correspondentes a cada mês letivo –, cada uma contendo uma sequência de textos, precedidos de títulos e data, à semelhança de um diário, em que o menino Enrico Bottini relata acontecimentos da rotina escolar, apresenta o professor e os colegas, entremeando com suas reflexões e cartas do pai, da mãe e da irmã, contendo advertências e conselhos, e com o “conto mensal” sobre bondade, coragem, patriotismo, narrado pelo professor. Publicado três anos depois de Le avventure di Pinocchio, de Carlo Collodi – outro clássico a literatura infantil universal – a inovação de Cuore consistiu em "dar voz" ao protagonista criança, embora a voz do adulto se sobreponha, com conselhos educativos e pedagógicos, carregados de comovente sentimentalismo e ideias morais, patrióticas e nacionalistas, conforme as finalidades pedagógicas e o compromisso cívico do autor de fomentar, no contexto do pós-Risorgimento – movimento de unificação da Itália entre 1815 e 1870 – os ideiais de unidade e identidade nacional e cultural da nação. 

No Brasil, o livro teve várias traduções, além da provável circulação de edições portuguesas e das muitas adaptações. As primeiras traduções brasileiras foram publicadas em 1891, pela Francisco Alves (RJ), com o título Coração e tradução “autorizada, feita da 101ª edição italiana” pelo jornalista, crítico literário, filólogo, historiador, pintor e tradutor João Ribeiro (1860 – 1934), membro da Academia Brasileira de Letras (ABL); e pela Teixeira e Irmãos (SP), com tradução e prefácio do jornalista, escritor e poeta Valentim Magalhães (1859 – 1903), um dos fundadores da ABL. Seguiram-se outras traduções por outras editoras do País, ao longo do século XX, até a mais recente, de 2011, pela Cosac Naify, com tradução de Nilson Moulin. Principalmente entre o final do século XIX e as primeiras décadas do século XX, Coração foi aprovado e adotado oficialmente e circulou amplamente como livro de leitura em escolas primárias do País. É rememorado com emoção por alunos e professores da época, como nos depoimentos citados pelo historiador Leonardo Arroyo. para autores brasileiros de livros de leitura para crianças, como Júlia Lopes de Almeida, João Simões Lopes Neto, Romão Puiggari, Arnaldo de Oliveira Barreto, Viriato Correa e Thales de Andrade, como apontam pesquisadores da história da literatura infantil e da educação brasileiras, que se dedicam ao estudo da obra e sua circulação.

Apesar do duradouro sucesso editorial, Cuore/Coração nunca mereceu apreciações positivas da crítica literária. Mas, passados o já longínquo contexto político e geográfico e os propósitos que o originaram, continua vivo na memória dos leitores e nas histórias de leitura que deixaram registradas. Não o li no curso primário, apesar de terem circulado edições da Francisco Alves até os anos 1960 e da Tecnoprint, até os anos 1970. Conheci-o nos anos 1980, em acervos documentais durante minhas pesquisas sobre história da literatura infantil. Em 2010, ganhei de Fernando Oliveira – que o adquiriu em sebo mineiro – um exemplar da 30ª. edição, de 1919, pela Francisco Alves, com capa dura, edição “cuidadosamente corrigida” e sem o prefácio original do autor. Na folha de rosto e na folha de guarda ao final do livro, dois nomes, manuscritos com caneta tinteiro, de alunos que o utilizaram há um século: Genésio Machado Goulart e Eloy Mendes, este seguido pela data “1 de Janeiro de 1921”, na folha de rosto, e pela data “13 de Junho de 1920”, na folha final. Afora a provável confusão na indicação do ano, tudo indica que Eloy leu o livro e se inspirou no tom de diário para indicar seu percurso de seis meses de leitura. E, ao menos para os dias atuais, é curioso que, além de alguns pequenos borrões de tinta, essas sejam as únicas marcas de leitura nas 278 páginas do livro. Ou porque não pertencia a nenhum deles, podendo ser emprestado a outros depois de utilizado nas aulas de leitura, ou porque essa não era uma prática permitida pelos professores, ou, mais provavelmente, porque o efeito comovente da leitura tornasse o livro uma espécie de objeto sagrado a ser preservado na memória dos leitores, como Genésio e Eloy. Aqueles meninos se foram, mas continuam propiciando releituras e reencontros – como estes – com De Amicis e a obra que o consagrou no coração da história da literatura para crianças. As do século XXI também?

Maria Mortatti – 28.11.2023
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KENNEDY, HUXLEY E AS BALAS DE LSD DO ANO DE 1963 / JOÃO SCORTECCI

Das distopias do dia 22 de novembro de 1963. Kennedy (John Fitzgerald Kennedy, 1917 – 1963), Presidente dos Estados Unidos da América, foi assassinado na cidade de Dallas, Texas, com um tiro na garganta e outro na cabeça, e Huxley (Aldous Leonard Huxley, 1894 – 1963), em Los Angeles, com uma injeção “amiga” de LSD. Huxley foi editor da revista Oxford Poetry e publicou contos, poesias e literatura de viagem. Foi indicado sete vezes para o Prêmio Nobel de Literatura, mas nunca ganhou a merecida e cobiçada estatueta. Foi um desbravador da literatura e da consciência humana. Autor de clássicos imortais, como o romance distópico "Brave New World" ("Admirável Mundo Novo"), de 1932, e dos ensaios autobiográficos "The doors of perception" ("As portas da percepção"), de 1954, explorou o uso de alucinógenos como a mescalina, o LSD e outros psicodélicos, a fim de expandir a consciência e descobrir novos horizontes do pensamento humano. A experiência com drogas psicodélicas foi tão importante para Huxley, que o autor planejou deixar a vida em uma viagem de LSD, e, com a ajuda de sua esposa, assim o fez. Conheci-o nos anos 1980, quando li e reli a sua obra. Na biografia do verso de capa, o ano de sua morte: 1963! Na época passou “batido” e somente agora registro a distopia: Huxley morreu no mesmo dia que Kennedy! Onde eu estava mesmo? Na cidade de Fortaleza, no Ceará, na sala de visitas da casa da Dóris Holanda, mãe dos amigos de uma vida inteira: Leda Maria, Nelson, Alexandre, Guilherme, Raul e Paulinho. Estávamos brincando no chão, colando figurinhas de jogadores de times de futebol do Santos, de Pelé, do Botafogo, de Garrincha e outros. Panela com grude, para colar as figurinhas, e trapos de pano, para limpar a sobra de cola. Foi quando o plantão do radiojornalismo "O Seu Repórter Esso" nos alertou sobre a tragédia. “Escuta! Escuta!” Kennedy – o 35°. Presidente dos Estados Unidos – havia sido baleado e morto em um atentado na cidade de Dallas, Texas. Silêncio. Eu tinha sete anos de idade e, desde aquela época, sabia “conjugar” a máxima preferida – de uma vida inteira – do meu pai, Luiz: “A vida é desleal e desumana”. “E agora?” Utopias, distopias, balas de LSD, alucinógenos e figurinhas carimbadas de um admirável mundo novo. Lembro-me de tudo como se fosse hoje. Mesmo sobre Huxley: sabia e não sabia! Só precisava me adiantar no tempo, olhar no calendário do futuro e viajar no compasso-luz da história. 

João Scortecci

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BERTOLT BRECHT – OS IMPRESCINDÍVEIS / JOÃO SCORTECCI

Releitura do poema “Os que lutam”, do dramaturgo e poeta alemão, Bertolt Brecht (Eugen Bertholt Friedrich Brecht, 1898 – 1956), sem ironia, sem deboche e nada parecido com o original. Paródia? Tragicomédia? Talvez. Há homens que lutam vez por outra e são ruins. São mutáveis frente ao bem. E, também, deltas, variantes, abismos. Alguns navegam sem rumo ou qualquer direção. São mutantes do incerto. Há homens que são oportunistas e egoístas. É o que são. Não conhecem o norte e não usam bússolas. Não pensam. Acham que são imortais. Há homens do exército dos que lutam e não são soldados. São traços, rabiscos da paisagem morta! Há homens que são bondosos. Apenas isso. Há outros que travam “moinhos de vento” e são os piores. Há aqueles que escrevem histórias, leis e valores e são indiferentes ao julgar o verbo. Poetas? Poucos. Há homens que são guerreiros da luz. Iluminados! Há homens covardes de coragem, traidores, contraditórios e pífios: no olhar. São sombras e testemunhas. Veem e não enxergam. Neles não há o fogaréu. Não há a brasa dos infernos e nem o mantra do carvão. Há homens que não são nada, e outros, tudo! Há homens que lutam toda a vida da sorte. Aventureiros? Há homens que são imprescindíveis à dor. Estes são homens e gritam por justiça. Há homens que cortam o fio da própria carne. E, pálidos, sangram. Há homens de Brecht em todo o infinito do Céu: do bem e do mal. E no mar, também. Profundo e acolhedor. E no ar da Terra. Desigual, perene e bela. Texto, contexto e (sem)fim. Bertolt Brecht foi um destacado dramaturgo e encenador alemão do século XX. Seus trabalhos artísticos e teóricos influenciaram o teatro contemporâneo. Em 1954, recebeu o Prêmio Lenin da Paz. Faleceu em 14 de agosto de 1956, aos 58 anos de idade, em Berlim Leste, Estado de Berlim, na República Democrática Alemã.

João Scortecci 

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O EXÍLIO E O REINO DE UMA (IM)PROVÁVEL LEITORA DE CAMUS / MARIA MORTATTI

 Para Rosina Longo Mortatti (in memoriam)

Franco-argelino, de origem pobre, apaixonado por futebol, tuberculoso crônico, combatente na Resistência francesa durante a Segunda Guerra Mundial, casado com a linda e talentosa franco-argelina, professora de matemática e pianista Francine Faure (6.12.1914 – 24.12.1979) – sua segunda esposa e que organizou as edições póstumas de sua obra –, amante de outras e da “única”, a atriz espanhola exilada na França, María Casares: esse era o escritor, filósofo, dramaturgo e jornalista, Albert Camus (7.11.1913 – 4.1.1960) que morreu com 46 anos de idade, vítima de um acidente de automóvel, às 13h55 do dia fatal, quando retornava a Paris, após ter trocado passagem de trem e aceitado insistente oferta de carona do amigo e editor Michel Gallimard, cujo carro perdeu a direção e se chocou contra uma árvore, causando também sua morte cinco dias depois, tendo se salvado apenas a esposa e a filha do editor e parte do manuscrito do romance autobiográfico inacabado, O primeiro homem, que Camus carregava na mala e foi publicado em 1944, por sua filha, Catherine Camus, que também fez publicar, pela Gallimard, em 2017, as 865 cartas de amor do pai para a atriz espanhola, a última delas escrita cinco dias antes de ele morrer. Laureado, aos 44 anos de idade, com o Nobel de Literatura de 1957, “pela sua importante produção literária, que com seriedade lúcida ilumina os problemas da consciência humana nos nossos tempos”, Camus é autor de vasta e diversificada obra, com romances, peças de teatro, ensaios filosóficos, entre outros, em que expõe e questiona o absurdo da condição humana e o paradoxal sentido da existência, como: nos romances O estrangeiro – seu primeiro do gênero, de 1942 –, A pesteA queda; nos ensaios O mito de Sísifo e O homem revoltado – este com duras críticas ao estalinismo, que lhe renderam polêmica pública com o filósofo e escritor francês Jean-Paul Sartre (21.06.1905 – 15.04.1980) –; nas peças de teatro Calígula e Os justos.

Esse era o roteiro do texto que eu preparava, até o momento em que, procurando Camus na estante de minha biblioteca, perdi a direção e topei com um exemplar de O Exílio e o Reino, publicado pela Edições Livros do Brasil – Lisboa, com pouco convidativa tradução por Cabral do Nascimento, sem data. Lançado na França pela Gallimard, em 1957 – ano em que o escritor recebeu o Nobel – L'Exil et le Royaume é seu único livro de contos e seu último livro de ficção publicado em vida. A edição portuguesa, provavelmente publicada nos anos 1960, contém seis contos – “A mulher adúltera”, “O Renegado”, “Os mudos”, “O hóspede”, “Jonas”, “A pedra que aumenta” (“cresce”, em outras traduções) –, cujos enredos se passam em lugares diferentes, como África, Europa e o último, no Brasil. A temática comum entre eles, expressa no título e identificável nas descrições do narrador e nos monólogos interiores e diálogos dos personagens, são as formas simbólicas do exílio – como solidão, insatisfação, inadaptação, impotência e culpa dos que se recusam a representar o papel que lhes é atribuído socialmente – e da árdua busca do reino prometido, o sentido da existência. Nas palavras do autor, o Reino “coincide com uma certa vida livre e despojada que teremos de reencontrar, para podermos enfim renascer. O Exílio, de certo modo, mostra-nos as vias de acesso a essa outra vida, desde que saibamos nele recusar ao mesmo tempo a servidão e a posse.” 

Folheando o exemplar com folhas amareladas e algumas manchas do tempo, chamou minha atenção a marginalia a lápis, à qual provavelmente não dei tanta importância quando o recolhi entre os pertences pessoais de minha mãe, após sua morte, em 2008: o nome – Rosina – na folha de rosto e os muitos sublinhados em trechos do primeiro e do último conto, além de dobraduras de “orelha” no topo das respectivas páginas iniciais. No primeiro conto, “A mulher adúltera”, Marcel e Janine, um casal de franceses, sem filhos, viaja por regiões de deserto para vender tecidos diretamente aos mercadores árabes. Ela o acompanha, entediada, por falta de coragem para recusar, e, ao longo do enredo, por meio de monólogos interiores, vai se configurando sua insatisfação e a crise existencial. O adultério se realiza simbolicamente, quando ela, mirando a imensidão e a beleza do deserto em contraste com seu vazio interior, dá-se conta de seu exílio – a vida sem sentido com o marido – e daquele reino que “sempre lhe fora prometido, mas que jamais o alcançaria – a não ser por este fugidio instante...”.  O último conto, “A pedra que aumenta”, foi inspirado em visita de Camus ao Brasil, em 1949, quando, levado por uma comitiva de que participavam Oswald de Andrade e seu filho, Rudá de Andrade, à cidade de Iguape, no litoral paulista, para conhecer a festa de Bom Jesus de Iguape, ficou impressionado com a diversidade e mistura de raças, com o sincretismo religioso, com a história da estátua do santo que foi encontrada num córrego e da pedra em que foi lavada, que crescia, mesmo depois de inumeráveis lascas arrancadas pelos romeiros em busca de milagres. Camus juntou depois essas observações com as da macumba que presenciou na cidade do Rio de Janeiro, acompanhado de Abdias do Nascimento. O protagonista do conto, d’Arrast, um engenheiro francês contratado para supervisionar a construção de uma represa em Iguape, surpreende-se com o sincretismo religioso, participa de culto em homenagem a São Jorge e ajuda um homem pobre e negro a cumprir a promessa de carregar uma pedra de 50 quilos, para agradecer por um milagre recebido do Bom Jesus.

No livro Albert Camus – Uma vida, relatando o acidente que causou a morte instantânea do escritor, o biógrafo Olivier Todd comenta: “A seus amigos, Camus dizia com frequência que nada era mais escandaloso do que a morte de uma criança e nada mais absurdo do que morrer num acidente de automóvel”. Quando folheei aquele exemplar de O Exílio e o Reino, inicialmente me pareceu meio absurdo que aquela mulher – não muito afeita à leitura e com pouco ou nenhum tempo disponível para esse tipo de lazer, depois do trabalho de professora e das tarefas domésticas, de esposa e mãe de quatro filhos – tivesse lido o livro e se interessado especialmente por esses dois contos. E me indaguei como o exemplar chegara a suas mãos. Teria sido pelo espólio de minha tia paterna, Irene, viúva de um livreiro paulistano, que não conheci? Ou de algum vendedor domiciliar, como alguns poucos livros que minha mãe comprava? E por que esses dois contos a impressionaram tanto, a ponto de neles deixar registrada a enigmática marginalia? Depois, porém, de reler os contos e escrever este texto, concluo que absurda foi minha primeira reação. Aquela (im)provável leitora provavelmente encontrou nos contos muitas de suas indagações sobre o paradoxal sentido da existência, entre a constatação do exílio solitário e a fé no reino prometido. Também eu e talvez a esposa e as amantes do escritor. Essa é a universal contribuição de Albert Camus, para leitores e leitoras de todos os tempos.

Maria Mortatti – 19.11.2023


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O LEGADO DO LIVREIRO LEON IDZIKOWSKI / JOÃO SCORTECCI

O livreiro, editor e gráfico Leon Idzikowski (1827 – 1865), nasceu na Cracóvia, Polônia. Foi o fundador da maior e mais famosa livraria e editora de Kiev e de toda a Rússia, localizada inicialmente na Avenida Kreschatik, a principal da cidade de Kiev, hoje capital da Ucrânia. Em 28 de dezembro de 1858, aos 31 anos de idade, Leon Idzikowski abriu o seu negócio, no cortiço n. 29, depois expandiu para os lados, nos números 27 e 33-35, perto da atual estação Kreschatik, em Kiev. Foi aprendiz na livraria J. Czech, em Cracóvia, e depois gerente da livraria Krystian Teofil Glücksberg (1796 – 1876), em Kiev, onde aprendeu o ofício de livreiro. Leon Idzikowski morreu jovem, aos 38 anos de idade. Depois de sua morte, o negócio foi administrado, com sucesso, durante 32 anos, pela esposa, Hersylia Idzikowski (Hersylia Buharewicz, 1832 – 1917) até 1897. Imprimiam seus próprios livros – chegaram a empregar mais de 150 funcionários –, e em pouco tempo se tornou a maior editora e livraria de Kiev. Até 1920, a empresa foi gerida por seu filho, Władysław Idzikowski (1864 – 1944). A livraria chegou a ter 50 salas e era composta por vários departamentos: postais e reproduções, livros polacos, livros russos, livros estrangeiros (alemães, franceses, ingleses, italianos), livros infantis e partituras. A sala de leitura – que podia acomodar até 500 pessoas ao mesmo tempo – e a biblioteca de empréstimo tinham mais de 173.000 volumes. Entre 1865 e 1920, a empresa publicou aproximadamente 7.000 títulos. A família Idzikovsky também possuía armazéns e livrarias menores em outras cidades: Lviv, Odessa, Kharkov e Yekaterinoslav, na Ucrânia; Vilnius, na Lituânia; Cracóvia, na Polônia; Vladivostok, Moscou, Rostov-on-Don, São Petersburgo, na Rússia. Em 1918, com a terceira Revolução Russa e a ditadura do proletariado, pregada por Vladmir Lenin (1870 – 1924), os bolcheviques ("governo da maioria") incendiaram a livraria. O que restou foi nacionalizado em 1919. A empresa existiu até a Revolta de Varsóvia – tentativa armada em 1944, durante a Segunda Guerra Mundial, para libertar a cidade polonesa de Varsóvia do controle da Alemanha nazista –, quando todos os bens materiais foram queimados e destruídos pelos alemães. Leon Idzikowski está enterrado na área polonesa do cemitério de Baikovsky, em Kiev. A inscrição no monumento diz: “Leon Idzikowski, natural de Cracóvia. Viveu 38 anos e morreu em 1865. Irmão, suspire a DEUS.”

João Scortecci


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GUILLAUME APOLLINAIRE, PABLO PICASSO E O ROUBO DA "MONA LISA" / JOÃO SCORTECCI

O poeta e crítico de arte francês Guillaume Apollinaire (1880 – 1918) morreu jovem, com apenas 38 anos de idade, vítima da gripe espanhola. Considerado o mais importante ativista cultural das vanguardas do início do século XX, é conhecido por sua poesia sem pontuação e por ter escrito manifestos importantes para as vanguardas na França, tais como o do Cubismo, e de ser o criador da palavra “Surrealismo”. Apollinaire ficou mundialmente conhecido quando foi acusado de cúmplice no roubo, em 21 de agosto de 1911, do quadro “Mona Lisa”, pintado entre os anos de 1503 e 1506, pelo italiano Leonardo da Vinci (1452 – 1519), e exposto no Museu do Louvre, em Paris. O caso teve repercussão internacional, e as investigações levaram a polícia a suspeitar do poeta francês. Ele chegou a ser preso e foi mantido na cadeia por uma semana, até ser solto, por falta de provas. Seu depoimento – não há documentos sobre o que foi dito – levou a polícia a convocar, para interrogatório, o pintor espanhol Pablo Picasso (Pablo Ruiz Picasso, 1881 – 1973), como suspeito de ser o mandante do roubo, mas nada foi encontrado que o incriminasse. Em 1913, a polícia da Itália prendeu o italiano Vicenzo Peruggia, ex-funcionário do Louvre, tentando vender clandestinamente a pintura, movido – foi o que declarou – por um sentimento nacionalista. Em 1914, “Mona Lisa” foi reintegrada ao acervo do Louvre. Historiadores e cientistas da arte afirmam que a mulher retratada é a italiana Lisa Gherardini (1479 – 1542), nascida em Florença, e que seu marido, Francesco del Giocondo, foi quem encomendou a obra. “Mona Lisa” é, muito provavelmente, a obra de arte mais famosa da história ocidental. Mede 77 cm de altura por 53 cm de largura e foi levada para a França pelo próprio Leonardo da Vinci, quando morou naquele país e trabalhou na Corte francesa. Foi vendida para Francisco I, rei da França entre os anos de 1515 e 1547, que teria pagado pela obra uma quantia bastante elevada: cerca de 4.000 táleres de ouro. O poeta Guillaume Apollinaire morreu em 1918, quatro anos depois que “Mona Lisa” voltou para o Louvre. Está sepultado no cemitério de Père-Lachaise, em Paris, tendo no seu túmulo uma escultura em forma de menir, monumento megalítico, feito por Pablo Picasso. 

João Scortecci


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MOMENTOS LITERÁRIOS / MARIA MORTATTI

Momento literário era o título da revista do CEL – Centro de Estudos de Letras da FCLA – Faculdade de Filosofia, Ciências e Letras de Araraquara/SP (encampada pela Universidade Estadual Paulista em 1976), onde me licenciei em Letras – Português-Inglês, em 1975. Naquele ano, candidatei-me à presidência do CEL em uma chapa composta por cinco mulheres e um homem. Além de mim, participavam as estudantes Regina Céloia Vieira, Maria Rita Mantese, Luiz Gonzaga Marchezan, Suely do Carmo Máscia, e a bibliotecária Guaraci Maria Nogueira; no conselho editorial, estavam os professores Dante Tringali e Fernando de Carvalho e as estudantes Elisabete de Carvalho e Elizabeth Rocha Leite.

Depois de intensa campanha, nossa chapa foi eleita e, pelo que me lembro, fui a primeira mulher a assumir essa função, o que não era pouca coisa para a época. O curso de Letras, frequentado predominantemente por mulheres, era chamado de “espera marido”, preconceito que infelizmente ainda persiste. E, naqueles tempos sombrios da ditadura militar no Brasil, nós, as “moçoilas casadoiras”, éramos acusadas de “alienadas” politicamente, sobretudo pelos estudantes dos cursos de Ciências Sociais e Filosofia. A vitória de nossa chapa nos impunha, então, redobrada responsabilidade para provar competência. Assim fizemos! Entre outras atividades literárias e culturais, editamos boletins e os quatro números trimestrais da revista correspondentes ao ano de 1975. Eram publicados ensaios, resenhas e textos literários de professores e estudantes. O trabalho de edição era manual: os textos eram datilografados – fiz esse serviço quase sempre – na sede do CEL, no subsolo do pátio do campus universitário, para onde foi transferida a faculdade, que até então funcionava no prédio do centro da cidade, na Rua 3, que depois abrigou a Casa da Cultura Luís Antônio Martinez. Os volumes da revista, com média de 50 páginas de tamanho ofício, eram impressos e encadernados na gráfica da faculdade, com capa em papel cartonado e como publicação oficial da FCLA. Não me lembro da quantidade de exemplares por edição e se eram distribuídos gratuitamente. Mas eram lidos e comentados. E nos orgulhávamos da qualidade da revista e dos boletins. Guardo comigo exemplares que foram úteis para comprovar minhas primeiras atividades editoriais e poéticas, desde aqueles tempos. E também como aprendizado e inspiração para organização, edição e impressão (em mimeógrafo) de revistas e jornais com meus alunos da educação básica, para preparação de meus livros e artigos e para a realização de serviços de revisão editorial e preparação de originais para publicação. 

Revisitei o CEL em 24.08.2016, durante as atividades da campanha como candidata à Reitora da Unesp – se tivesse sido eleita, teria sido também a primeira mulher e da área de humanidades na reitoria da universidade, o que não ocorreu, apenas por causa do peso proporcional não paritário dos votos de cada segmento de eleitores. O CEL continua em funcionamento, no mesmo local, com a denominação Centro Acadêmico de Cultura e Estudos em Letras "Paulo Leminski”. Não sei se ainda editam revista e boletins. Mas as lembranças continuam vivas e foram despertadas pela leitura do post do professor e escritor Paulo Franchetti, colega de turma na graduação e depois no mestrado em Teoria Literária no Iel/Unicamp. Ele comentou sobre a publicação de seu “primogênito” paper sobre literatura portuguesa naquela revista, em 1974. Procurando o exemplar em minha estante, encontrei meu “primogênito” poético, “Cantiga”, poema inspirado em Cecília Meireles, publicado no número 9, de agosto/setembro de 1974, quando eu tinha 19 anos e estava no 3º. ano do curso. Já lá vão os primeiros 49 anos de editoria e poesia. E memoráveis momentos literários.

Maria Mortatti – 14.11. 2023 

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PARA GOSTAR DE LER, É SÓ COMEÇAR / MARIA MORTATTI

Quem nunca? Ao menos entre os que frequentaram escola a partir dos anos 1970, quem nunca leu um, alguns ou todos os volumes da coleção Para Gostar de Ler e se encantou com a descoberta ou releitura de tantos grandes escritores brasileiros? Essa coleção, lançada pela editora Ática em 1977 e encerrada em 2013, era destinada aos anos finais do ensino de 1o. grau e ensino de 2o. grau, e nela foram publicados crônicas, contos, poemas. Com as séries Bom Livro – de clássicos da literatura brasileira e portuguesa – e Vaga-Lume – livros de literatura para jovens –, a coleção Para Gostar de Ler compôs exitosa estratégia editorial da Ática, originada da impressão em mimeógrafo de apostilas didáticas para o Curso de Madureza Santa Inês, da cidade de São Paulo. Sob a direção do editor e professor Jiro Takahashi (22.11.1947 –  ), que se tornou uma “lenda” no mercado editorial, essas iniciativas arrojadas e pioneiras contribuíram para consolidação das expressões “paradidático” e “leitura extraclasse”, em referência ao produto editorial e o correspondente modo e espaço escolar de circulação de textos literários. Contribuíram, ainda, para a divulgação da produção literária brasileira e para programas de incentivo à leitura e à formação de leitores, no contexto das políticas educacionais e culturais decorrentes das mudanças estabelecidas pela lei n. 5.692/1971, que tornou obrigatório o ensino de oito anos.

Como conta Jiro Takahashi em entrevistas já antológicas, a história da coleção Para Gostar de Ler começou em 1976, com uma conversa telefônica entre ele e o poeta, escritor e professor Affonso Romano de Sant’Anna, que mencionou um comentário do escritor Rubem Braga sobre o fato de suas crônicas estarem presentes em livros didáticos, serem lidas por estudantes, mas seus livros venderem pouco. Tentando entender o motivo, “começamos a pensar em reunir as crônicas mais lidas pelos estudantes em livros concebidos para que eles gostassem de ler. Além da qualidade dos autores, um ponto que foi fundamental, a meu ver, para a grande aceitação da coleção foram as leituras experimentais que fizemos com três mil estudantes. Para cada volume, editávamos uma edição experimental com o dobro de crônicas que fariam parte do volume, e os estudantes escolhiam as que davam mais prazer em ler. Foi uma coleção feita em colaboração com o público a que se destinava. Isso pode explicar a sua grande aceitação.” Os professores de 1o. e 2o. graus recebiam exemplares gratuitos – ainda tenho os meus – e cada volume era acompanhado de um suplemento de trabalho, informações sobre a coleção e sua finalidade – “levar o aluno a incorporar o gosto e o hábito de ler” –, comentários e questões abertas sobre assuntos dos textos, sugestões didáticas e resumos biográficos dos autores. Na carta-apresentação do volume 1, dirigida ao “amigo estudante” e assinada pelos quatro cronistas que inauguram a coleção – Carlos Drummond de Andrade, Fernando Sabino, Paulo Mendes Campos, Rubem Braga –, reitera-se a finalidade de não “ensinar coisa alguma a você. Nem gramática nem redação nem qualquer matéria incluída no programa de sua série.” A tiragem desse volume foi de 100 mil exemplares, seguidos de reimpressão de mais 150 mil.

Entre 1977 e 2013, foram publicados 47 volumes, com inclusão de outros gêneros, subgêneros e assuntos e com atualizações nos projetos gráficos. Nos cinco volumes iniciais, permaneceram os mesmos cronistas. No volume 6, foram publicados poemas de José Paulo Paes, Henriqueta Lisboa, Mario Quintana e Vinícius de Moraes. Seguiram-se volumes de crônicas e contos, com outros grandes escritores brasileiros e universais. Para se ter uma ideia da importância e alcance do projeto, constavam autores, tais como: Luís Fernando Veríssimo, Clarice Lispector, Graciliano Ramos, Ignácio de Loyola Brandão, Lygia Fagundes Telles, Mario de Andrade, Marcos Rey, Machado de Assis, Affonso Romano de Sant’Anna, Rachel de Queiroz, Murilo Rubião, Marina Colasanti, Domingos Pellegrini, Dalton Trevisan, Moacyr Scliar, Ferreira Gullar, Cacaso, Paulo Leminski, Stanislaw Ponte Preta, Millôr Fernandes, Mark Twain, Edgar Allan Poe, Franz Kafka, Miguel de Cervantes, Conan Doyle, William Shakespeare, Voltaire. É ainda nessa coleção, no volume 5, que está publicado o também antológico ensaio-prefácio “A vida ao rés-do-chão”, do crítico e professor Antonio Candido, com um estudo analítico sobre o gênero crônica. A coleção era um "luxo", como comentávamos entre professores.

Enquanto escrevia este texto, lembrei-me das tantas vezes em que, no início das aulas e por pura diversão, lia para meus alunos crônicas, poemas e contos dos livros que eu recebia da editora. De um dos mais hilariantes momentos, lembrei-me agora: a leitura da crônica “Emergência”, de Luís Fernando Veríssimo, sobre o medo de avião de um passageiro de primeira viagem. Tantas vezes a li, tantas vezes choramos de tanto rir. Eu, com o livro aberto de frente para os alunos. esforçando-me para não interromper a leitura com repetidos engasgos nos risos lacrimejantes e mal disfarçados; eles, ouvindo curiosos e também tentando esconder o riso. Ao final, todos libertando as gargalhadas, aplaudíamos o também antológico pouso-desfecho de Veríssimo: “– Senhores passageiros, aqui fala o comandante Araújo. Neste momento, à nossa direita, podemos ver a cidade de... [O passageiro] pula outra vez da cadeira e grita para a cabina do piloto: – Olha para a frente, Araújo! Olha para a frente!”. 

Para Gostar de Ler representou irrecusável convite: conhecer autores e textos aos quais a maioria dos estudantes e provavelmente também dos professores tiveram acesso pela primeira vez. De forma direta ou indireta, os textos e os autores se tornaram conhecidos por leitores de primeira viagem ou veteranos e continuam vivos em sua memória e na história da educação e da cultura brasileiras. Formar leitores, dentro e fora da escola, continua sendo emergência nacional. Mas essa coleção cumpriu sua finalidade e deixa uma antológica lição: para gostar de ler, é só começar. E com textos de qualidade, que sejam acessíveis e enredem o leitor. Quem nunca leu ou desejou ler livros como esses? 

Maria Mortatti – 12.11.2023

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O SOFÁ DO NADA DO POETA MANOEL DE BARROS / JOÃO SCORTECCI

Tudo ou nada, na direção de Manoel de Barros, o poeta. Quero o nada e depois o tudo, sentar-me, indolente, e lá permanecer, por séculos. Isso basta, o bastante. Manoel de Barros (1916 – 2014) nasceu em Cuiabá, estado do Mato Grosso, e aos 13 anos de idade se mudou para Campo Grande, hoje Mato Grosso do Sul. Lá, ficou – quase – sempre. Escreveu o “Livro sobre nada”, de 1996, obra que eu gostaria de ter escrito. Belíssima! Falar sobre o nada, sempre me ocupou profundamente. Gosto da ternura do nada, inexistente, selvagem e mortal. No nada não há dor e nem medo. Somente solidão! No meu livro de poemas “Água e sal – Fragmentos de tempo algum”, de 1990, prefaciado pelo mineiro Fábio Lucas, poetei alguns poucos versos sobre o nada. Ficou, na época, a promessa de, um dia, cutucar novamente o assunto e, então, talvez, escrever. Ficou. Tenho até um provável título: “Nada de alguém”, quase isso. Manoel de Barros é absoluto. Escreveu: “Uso a palavra para compor meus silêncios.” "O nada do meu livro é nada mesmo.". Não o conheci pessoalmente. Uma pena! Trocamos assobios, passarinhos, bilhetes e livros. Nunca tempestades! Mais um dos descuidos literários, de tantos, em 50 anos. Perdi – não me conformo – os passarinhos de Quintana, a vida Severina, de João Cabral, e o “Poema sujo”, de Ferreira Gullar. Não adianta me justificar por nada – eu os perdi, e pronto. Os poetas são malvados: gostam de travessuras, piruetas e castigos. São serpentes! Morrem do nada – alguns, várias vezes –, não vão embora, não se despedem, nunca. Ficam nos azucrinando, nos marcando com palavras, bocas e cheiros. Os poetas são grudentos! Drummond – o anjo torto do céu – recusou o epíteto de “maior poeta vivo do Brasil”, em favor de Manoel de Barros. Grande Drummond! Manoel de Barros morreu no nada, aos 97 anos de idade, lendo, provavelmente “Poemas concebidos sem pecado”. Fica aqui – registrado – o meu desafio: quando publicar o livro “Nada de alguém”, será em sua homenagem, com dedicatória e nada. Na agenda, visitar Manoel de Barros, sentar-me, então, ao seu lado, no seu sofá de bronze. Manoel, licença! Posso? Eu venho de longe, do nada, estou atrasado. Perdoe-me.

João Scortecci

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PÉ DE CEBOLINHA VERDE E UM LUGAR PARA TODAS AS COISAS / JOÃO SCORTECCI

Nos anos 1960 – menino de tudo – resolvi plantar um maço de cebolinha verde no quintal de casa. “Planta que nasce novamente!” Foi o que me disseram. Curioso que sou, obedeci. Peguei uma enxada e comecei a cavar e a revirar a terra. Na verdade, cavei um buraco, dos grandes. Papai Luiz – que apareceu do nada – perguntou-me: “O que você está fazendo?”. “Uma horta!”, respondi. “E esse buraco?” Não respondi. Continuei cavando e jogando a terra no monte, ao lado. Ele se acocorou e – pacientemente – esperou por mim, até eu respirar e ouvir. “Filho, duas coisas são importantes na vida. A primeira é de ordem prática, para todas as coisas que você for fazer. Escolha o propósito, execute a tarefa e, depois, conclua com êxito”. Interessante, pensei. “E a segunda?” “A segunda é de ordem moral: antes de tirar algo do seu lugar, certifique-se, primeiro, onde irá colocá-la!”. Papai Luiz se levantou e, em silêncio, partiu. Eu, reflexivo, com a enxada, devolvi toda a terra de volta para o buraco. Plantei o maço de cebolinha verde, molhei a terra e a entreguei ao deus Sol, na sorte das minhas lembranças. Pesquisando sobre algoritmos, encontrei a biografia do matemático, astrônomo, astrólogo, geógrafo e escritor persa Alcuarismi (Abu Abdalá Maomé ibne Muça ibne Alcuarismi, 780 – 850), erudito na Casa da Sabedoria (ou Casa do Saber), biblioteca e centro de traduções estabelecido à época do Califado Abássida, em Bagdá, no Iraque. No seu livro “Da Restauração e do Balanceamento”, Alcuarismi apresentou a primeira solução sistemática das equações lineares e quadráticas. É considerado o fundador da Álgebra – junto ao matemático grego Diofante, de Alexandria. O radical das palavras “algarismo” e “algoritmo” vem de “algoritmi”, a forma latina do nome do erudito persa. Além do vocábulo português “algarismo”, seu nome deu origem ao espanhol “guarismo”, que, ao passar para o francês, tornou-se “logarithme” e deu origem ao termo moderno “algoritmo”. O conceito de "catálogo de biblioteca" foi introduzido nessa e em outras bibliotecas islâmicas medievais, nas quais os livros se organizavam por gêneros e categorias específicas. A incógnita nas equações algébricas era denominada pelos matemáticos muçulmanos como “xay” (“coisa”), notadamente na álgebra de Ômar Khayyam, que, ao ser transcrita “xay” pelos espanhóis, deu origem ao “X” da álgebra moderna. A Casa do Saber foi destruída durante o cerco de Bagdá, em 1258, pelos mongóis. Antes do cerco, no entanto, perto de 400 mil manuscritos foram resgatados pelo polímata persa Tuci (Naceradim de Tus, 1201 – 1274) e levados para Maragha, no Irã. Em tempo: “Pai, quem disse isso?” “Um matemático russo!”, foi o que ele respondeu, na época. Quando quis saber mais, papai Luiz já estava com demência avançada e liberto do lugar de todas as coisas.

João Scortecci


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MARIE SKLODOWSKA CURIE: UMA IRRADIANTE MULHER / MARIA MORTATTI

A cientista polonesa, naturalizada francesa, Maria Sklodowska/Marie Sklodowska Curie (07.11.1867 – 04.07.1934) foi pioneira e exemplar nas muitas atividades que realizou em uma sociedade sexista e xenófoba. Ela e o marido, o físico francês Pierre Curie (15.05.1859 – 19.04.1906), descobriram os elementos químicos Rádio e Polônio – este assim denominado em homenagem à terra natal da cientista – e foi a primeira mulher laureada com o Prêmio Nobel, por duas vezes: o de Física, em 1903, compartilhado com o Pierre e Henri Becquerel; e o de Física, em 1911. Foi também a primeira mulher a se formar em Ciências na Universidade Sorbonne, na França; a primeira a obter o título de doutorado – com a tese defendida em 1903, em que descrevia detalhadamente seus esforços para compreender a origem da radioatividade; a primeira professora catedrática naquela universidade francesa; e a primeira mulher a ser sepultada por seus próprios méritos no Panteão de Homens Ilustres de Paris.

Filha de professor-cientista e de professora-diretora de escola, após ter considerado se dedicar à literatura, decidiu-se pelos estudos em física e química, motivo de sua partida para a França, uma vez que na Polônia, sob domínio russo na época, mulheres não podiam frequentar universidades. Destacou-se, ainda, pela dedicação à educação científica. Na França, além de professora na Sorbonne, lecionou em escola secundária e inovou no ensino de Física, por meio de perspectiva experimental, buscando despertar vocações científicas em crianças e mulheres. Em 1985, casou-se com Pierre Curie, por quem se apaixonou quando foi a ele apresentada por um cientista polonês em Paris. Casaram-se no civil, em cerimônia simples, ela vestida de azul-marinho, como o avental que usava no laboratório, e seguiram de bicicleta em viagem de lua de mel. Sobre Pierre, Marie escreveu: “ele dedicou sua vida ao sonho da ciência: ele sentia precisar de uma companheira que pudesse viver esse sonho com ele”. Tiveram duas filhas: Irène e Eve. Pierre morreu ao ser atropelado por uma charrete, quando atravessava a rua, num dia chuvoso. Depois da tragédia, Marie entrou em depressão, afastando-se temporariamente do laboratório onde trabalhavam juntos. No seu diário íntimo, iniciado dias depois do falecimento do marido e finalizado no ano seguinte, revela-se a faceta apaixonada da mulher que aparentava dureza, sem sorrisos nas poucas fotos disponíveis, possivelmente para enfrentar as proibições impostas às que ousavam lutar para conquistar seu lugar na sociedade, conforme o mérito de seus talentos. Durante a Primeira Guerra Mundial, prestou grandes serviços aos soldados, com suas ambulâncias radiológicas, conhecidas como "Petit curies". Com a filha Irène Joliot-Curie, que se tornou cientista e se casou com o também cientista Jean Joliot-Curie, Marie esteve no Brasil, em 1926, fazendo conferências e divulgando o uso da radiação no tratamento do câncer no Instituto do Radium de Belo Horizonte e na Escola Politécnica do Rio de Janeiro. Ela morreu em decorrência de anemia aplástica, com 66 anos de idade, causada provavelmente pela exposição sem proteção, durante décadas, a material radioativo com que trabalhava em suas pesquisas, numa época em que não suspeitava dos efeitos nocivos da radioatividade no organismo nem de uma das consequências diretas de sua descoberta, a energia nuclear e a bomba atômica. Foi enterrada ao lado do marido no cemitério de Sceaux e, em 1995, os restos mortais foram transferidos para o Panteão de Paris.

Uma das mais extraordinárias figuras da Física e da Química modernas, Marie Curie influenciou gerações de físcos e químicos, tendo deixado um legado científico fundamental e importantes documentos para a história da ciência. Além da tese, de cadernos de laboratório, de relatórios semanais na revista Comptes Rendus, da Academia Francesa de Ciências, de publicação de artigos em coautoria com o marido, relatando resultados das pesquisas, e dos diários, Marie publicou, em 1919, o livro Radiologia na guerra, com sua experiência como membro de comitês dedicados à causa polonesa, em 1923, a biografia de Pierre Curie, seguida de anotações de sua autobiografia, e escreveu o livro, Radioatividade, publicado em 1935 (póstumo). Todo o material que ela tocou, porém, permanece cuidadosamente guardado nos porões da Biblioteca Nacional da França, em caixas especiais com várias camadas de chumbo, por se tratar de material altamente radioativo. Também para evitar contaminação, o corpo de Marie foi enterrado em um sarcófago de chumbo com mais de 2 cm de espessura. Segundo os cientistas, deverão permanecer intocáveis por 1.500 anos, tempo necessário para a desintegração dos átomos de rádio. 

Conhecida mundialmente, foi homenageada com inúmeras honrarias e biografias, uma delas de autoria da filha Éve, em 1938, além de cinebiografias, como Radioactive, de 2019, direção de Mariane Satrapi, baseado no livro RadioactiveMarie & Pierre Curie: A tale of love and fallout, de Lauren Redniss. Madame Curie foi figura marcante para minha formação. Quando eu cursava o último ano do curso colegial, em 1970, e tive de decidir sobre a carreira a seguir, duas áreas me interessavam: Química – porque gostava da matéria e da professora, D. Terezinha Cury, que me apresentou Madame Curie; e Letras – porque gostava muito de ler literatura. Na dúvida, fiz a inscrição para exame vestibular na Faculdade de Filosofia, Ciências e Letras de Araraquara, onde há os dois cursos. Aprovada, acabei optando por Letras, mas continuo gostando de Química e Física e admirando essa irradiante mulher que contribuiu para iluminar novas descobertas e tornar o mundo um lugar melhor para todos. E com quem aprendi que "Nada na vida deve ser temido; apenas deve ser compreendido" e "(...) a ciência tem uma grande beleza. Um cientista em seu laboratório não é apenas um técnico: é também uma criança colocada diante de fenômenos naturais que o impressionam como um conto de fadas”.

Maria Mortatti – 07.11.2023


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BEIJOS ROUBADOS DE CORA CORALINA E RACHEL DE QUEIROZ / JOÃO SCORTECCI

O dia em que tudo aconteceu. O beijo roubado de Anna Lins! Não foi lá nos Becos de Goiás e nem nas águas do Rio Vermelho. Foi quando Anna Lins dos Guimarães Peixoto Bretas perdeu o medo e virou Cora Coralina. Foi no ano de 1983, na sede da União Brasileira dos Escritores – UBE, quando da entrega do Prêmio Intelectual do Ano – Troféu Juca Pato. Eu, pequenino; e ela, gigante! Curvei-me quase meio metro, para que ela pudesse me roubar um beijo de poeta. Poucas mulheres receberam o Troféu Juca Pato, outorgado pela entidade de escritores. Foi Cora Coralina – dos becos de Goiás – quem puxou a fila literária. Depois, vieram Lygia Fagundes Telles, Rachel de Queiróz, Renata Pallottini e Tatiana Belinky. Coube à escritora luso-brasileira Dalila Teles Veras lançar – contra tudo e todos – a candidatura da poeta goiana e, a duras penas, conseguir as 30 assinaturas obrigatórias, na época, para disputar o pleito. Foi um momento de ruptura importante na UBE, que fez história. Cometi o mesmo beijo – também roubado – no ano de 1992, na Rachel de Queiroz, conterrânea e amiga da Família Paula. Como meu avô paterno, João Batista de Paula, o Batista da Light, a escritora nasceu na cidade de Quixadá, no Ceará, e foi amiga de uma vida inteira. Quando soube meu nome, perguntou: “Você é neto do Batista da Light?” “Sou.” “O Batista era muito querido, estava sempre alegre e sorrindo", sentenciou ela. Rachel de Queiroz estava sentada – confortavelmente – numa poltrona na sala da diretoria da UBE, aguardando o início da cerimônia de entrega do Juca Pato. Curvei-me e a beijei, com todo o amor do mundo. Foi o nosso último e derradeiro encontro. Logo depois, Rachel adoeceu e faleceu, em 4 de novembro de 2003, na cidade do Rio de Janeiro. Beijos roubados são sempre assim: perigosos, eternos e inesquecíveis.

João Scortecci


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O MITO DE PIGMALEÃO, AFRODITE E GALATHEA / JOÃO SCORTECCI

Pigmaleão, na mitologia grega, foi um rei da ilha de Chipre, localizada na Bacia do Levante, no Mar Mediterrâneo. Segundo o poeta romano Ovídio (Publius Ovidius Naso, 43 a.C. – 17 ou 18 d.C.), em sua obra Metamorfoses, Pigmaleão – que também era escultor –apaixonou-se por uma estátua que esculpira em marfim, ao tentar reproduzir a mulher ideal. Ele havia decidido viver em celibato, por não concordar com a atitude libertina das mulheres de Chipre, conhecidas como “cortesãs”. A deusa Afrodite – figura do amor, da sedução e da sexualidade –, apiedando-se de Pigmaleão e não encontrando em toda a ilha uma mulher que, em beleza e pudor, chegasse aos pés da que esculpira, transformou a estátua numa mulher de carne e osso, de nome Galathea, com quem Pigmaleão se casou e teve uma filha chamada Paphos, que deu nome a uma cidade portuária na costa sudoeste da ilha. Habitada desde o período neolítico, Paphos tem vários locais relacionados com o culto da deusa Afrodite, por ser o local mítico do seu nascimento. O Mito de Pigmaleão traduz um elemento do comportamento humano: a capacidade de determinar seus próprios rumos, concretizando planos e previsões particulares ou coletivas. Os mitos nos ajudam a entender as relações humanas e guardam em si a chave para o entendimento do mundo. Uma versão moderna da lenda é a peça teatral Pigmaleão (1916) – com posteriores adaptações teatrais e cinematográficas – escrita pelo dramaturgo, romancista e jornalista irlandês George Bernard Shaw (1856 – 1950). Na peça, em vez de uma estátua transformada em mulher, temos uma mulher do povo transformada em mulher da alta sociedade. Shaw, socialista ardente, escreveu muitos folhetos e discursos para o Socialismo Fabiano – doutrina criada em Londres, em 1883, pela Sociedade Fabiana, que esse dramaturgo integrou – que defendia gradual evolução para o socialismo, por meio de reformas sociais, diferenciando-se dos marxistas, que pregavam uma passagem revolucionária. Afrodite, responsável pela perpetuação da vida, do prazer e da alegria, sabe o que faz. É quando você – em metamorfose – torna-se aquilo que pensa ser, condoendo-se de compaixão, tragédia e amor.

João Scortecci

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CONSELHOS DE BOILEAU SOBRE A ARTE DE ESCREVER / JOÃO SCORTECCI

O poeta e tradutor francês Boileau (Nicolas Boileau-Despréaux, 1636 – 1711), autor da obra “Discurso sobre a sátira” (1666), em que zomba do clero e da aristocracia, pinta quadros divertidos e parodia escritores, é considerado um polemista – aquele que trava polêmicas – e um teórico da literatura francesa. Escrevia, principalmente, para a aristocracia, dentro da tradição de Aristóteles e Horácio. Em 1674, publicou “A arte poética” (“L’Art poétique”), poema didático de 1.100 alexandrinos clássicos, dividido em quatro canções – obra que influenciou toda uma geração de escritores. Em 1677, foi nomeado, juntamente do poeta dramaturgo e matemático Racine (Jean Baptiste Racine, 1639 – 1699), historiógrafo do rei Luís XIV, e, em 1684, entrou para a Academia Francesa. Em 1687, publicou “Reflexões sobre Longino”, popularmente conhecido como “São Longuinho”, santo da Igreja Católica. Boileau foi venerado como grande poeta e inspirador de Racine e de Molière (Jean-Baptiste Poquelin, 1622 – 1673), ator e dramaturgo francês, considerado um dos mestres da comédia satírica. Boileau, nos versos iniciais do Canto I de “A arte poética”, afirma a necessidade de um talento inato, sem o qual a escrita poética lhe parece impossível. No entanto, ele sustenta a partir daí que esse talento natural não pode ser suficiente por si só, que ele deve se submeter às regras da poesia e, portanto, ao rigoroso aprendizado dessa arte. A perfeição só pode ser alcançada quando o gênio e o respeito pelas regras são combinados. Escreveu: “Há certos espíritos cujos sombrios pensamentos, são como nuvem espessa; sempre emaranhados. O dia da razão não saberia atravessá-la. Antes, pois, de escrever, aprendam a pensar (...) E sem perder coragem, vinte vezes empreendam a vossa obra: limpem-na sem cessar e tornem a limpá-la, acrescentem algumas vezes, mas outras eliminem.” Em dois dos versos mais famosos de “A arte poética", afirma: “O que concebemos bem é declarado claramente/E as palavras para dizê-lo chegam facilmente.”

João Scortecci


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NOS BRAÇOS DE DRUMMOND, EM ESTADO DE POESIA / MARIA MORTATTI

Dizem que a poesia salva e a memória falha. Mas há dias em que a poesia – insensível – me falha e o que me salva é a memória da poesia que me salvou naqueles dias e deles ficou como única prova – tangível – de sua existência. E há outros – tão sentimentais – em que até as escamas da sopa esfriando no prato são encobertas pelo cartaz amarelo na consciência: “neste país é proibido sonhar”. Assim aprendi com Carlos Drummond de Andrade (31.10.1902 – 17.08.1987), quando o vi pela primeira vez e nele toquei na estante da Biblioteca Pública Municipal "Mário de Andrade" de Araraquara. Desde então, quando, enclausurada nos sombrios enigmas da quadrilha, procuro a palavra que falta num verso que inunda minha vida inteira, mas a pena não quer escrever, lembro-me de nossos primeiros encontros delicadamente registrados no caderninho – secreto – da menina de 17 anos. Foi assim que, tempos atrás, por alguma magia na noite cega – consegui penetrar surdamente por uma fresta no reino das palavras. Lá reencontrei em estado de dicionário cada letra da palavra que nomeia a falta e a esperança, perdi-me entre os infinitos poemas que estão por ser escritos, até que, vencida pela fadiga das retinas, repousei a cabeça sobre a pedra e adormeci no caminho. Outubro chegava ao fim, quando me despertou um anjo torto com outro cartaz amarelo: neste país não é proibido sonhar. Levantei-me apressada. Era aniversário do poeta: 121 anos! Quase tropecei nas palavras, ainda impregnadas de sono. De mãos dadas, seguimos o dia. Sobre o tapete ou duro piso, compusemos com urgência a úmida trama. Um caso pluvioso! Para repousar, fomos à cama. Onde cabe todo o sentimento do mundo e o amor – ah, o amor! –, esse privilégio dos maduros, que começa tarde e se aprende depois de arquivar toda a ciência. A lua e o conhaque nos botaram comovidos como o diabo. Aconchegada em seus braços, em puro estado de poesia, sonhei que cantávamos o medo, respirando papel na noite do quarto. Acordei sozinha no escuro. Por que me abandonaste? E agora, José? Sem rima, a solução: chegara o tempo em que a vida é uma ordem. É preciso terminar o texto. Mesmo sabendo que tenho apenas duas mãos e meus ombros mal conseguem suportar o mundo, ainda que mal me exprima. Se procurar bem, acabo encontrando, não a explicação (duvidosa) da partida inesperada – Por quê? Por quê? Por quê? –, mas a poesia (inexplicável) dos tempos felizes. Mesmo sabendo que amar um passarinho é coisa louca e o canto é sua essência, se não há falta na ausência, se de tudo fica um pouco, por que não ficaria muito de nós em nós? Se amar se aprende amando e, tal uma lâmina, atravessamo-nos, fecundamo-nos e renascemos em cada novo cio, compondo em sete mil cantos as sete mil faces do amor, depois que as coisas tangíveis se tornaram insensíveis à palma da mão, ficamos nós em nós. Em estado de poesia nos habitamos: “Além do amor, não há nada,/amar é o sumo da vida.//São mitos do calendário/tanto o ontem como o agora/e o teu aniversário/é um nascer toda hora.//E nosso amor, que brotou/ do tempo, não tem idade/ pois só quem ama escutou/o apelo da eternidade.”

Maria Mortatti – 31.10.2023 (Dia de Drummond - Dia Nacional da Poesia)

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Obs.: Cito, sem aspas e com licença poética, versos de vários poemas de Drummond.


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JOSÉ OLYMPIO, CASA GARRAUX E A SEMANA DE ARTE MODESTA EM BATATAIS/SP NO ANO DE 1987 / JOÃO SCORTECCI

A José Olympio Editora foi fundada em 1931 pelo editor e livreiro batataense José Olympio (José Olympio Pereira Filho, 1902 – 1990), na cidade de São Paulo. Em 1918, com 16 anos de idade, José Olympio deixou Batatais – região metropolitana de Ribeirão Preto – e se mudou para a capital paulista, com o objetivo de estudar Direito. Conseguiu um emprego na Papelaria, Livraria e Typographia Casa Garraux (A. L. Garraux & C.), então de propriedade de Charles Hildebrand. Trabalhou na seção de livros, e o serviço consistia em abrir caixas de livros e limpar a poeira das estantes. Depois passou a ajudante de balconista, época em que tomou gosto pelos livros. A Casa Garraux era frequentada por políticos e escritores, como Menotti Del Picchia, Mário de Andrade, Oswald de Andrade, Plínio Salgado e Cassiano Ricardo. Em 1926, com a morte de Charles Hildebrand, José Olympio assumiu o cargo de gerente da seção de livros. No final da década de 1920, José Olympio começou a se interessar por livros raros e se tornou um respeitado entendido no assunto. Com a morte do advogado e jornalista, Alfredo Pujol (Alfredo Gustavo Pujol, 1865 – 1930), colecionador de livros raros, Olympio fez uma oferta para a família e comprou todo o acervo desse colecionador. Foi o início do seu legado. Adquiriu – depois – vários outros acervos, para, em 1931, aos 28 anos de idade, fundar a Casa José Olympio Livraria e Editora, na Rua da Quitanda, 19 A, na capital paulista. Em 1934, a livraria se mudou para a cidade do Rio de Janeiro, então centro intelectual do Brasil. Em 1935, Olympio se casou com a professora e escritora Vera Pacheco Jordão, com quem teve dois filhos, Vera Maria Teixeira e Geraldo Jordão Pereira (1938 – 2008), fundador da editora Sextante (1998), junto de seus filhos Marcos da Veiga Pereira e Tomás da Veiga Pereira. Nas décadas de 1940 e 1950, a José Olympio se tornou a maior editora brasileira. Publicou perto de 2 mil títulos, com 5 mil edições, sendo 900 autores nacionais e aproximadamente 500 autores estrangeiros. Em 1987, visitei Batatais – cidade natal de José Olympio –, durante a Semana de Arte Modesta, encontro comemorativo dos 65 anos da Semana de Arte Moderna de 1922. O evento em Batatais foi “grandioso” e registrou a presença de centenas de escritores de todo os cantos do Brasil. Fomos e voltamos de ônibus alugado pela Secretaria de Estado da Cultura de São Paulo. Do meu lado – eu, na janela do ônibus, e ele, no corredor do meio –, o escritor e editor Pereira (Antonio Olavo Pereira, 1913 – 1993), irmão caçula de José Olympio. A viagem de 350 km, de São Paulo até Batatais, durou quase 6 horas. Dos atrasos e das demoras, uma única certeza: torcendo para não chegar nunca! Conhecê-lo foi um “presente dos deuses”. Na época, a Scortecci Editora tinha pouco mais de cinco anos de idade. Em 2001, a José Olympio Editora foi comprada pelo Grupo Editorial Record.

João Scortecci



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