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BIBLIOTECA ANCARA, NA TURQUIA / JOÃO SCORTECCI

Istambul, maior cidade da Turquia, antiga Constantinopla, foi a capital do Império Romano (330 – 395), do Império Bizantino (ou Império Romano do Oriente) (395 – 1204 e 1261 – 1453), do Império Latino (1204 – 1261) e, após a tomada pelos turcos, do Império Otomano (1453 – 1922). Istambul, localizada entre o Corno de Ouro – estuário que divide o lado europeu da cidade de Istambul – e o Mar de Mármara – mar interior que separa o mar Negro do mar Egeu –, no ponto em que a Europa encontra a Ásia, foi na Idade Média a maior e mais rica cidade da Europa. A partir de 1923 deixou de ser capital, posto assumido por Ancara, localizada no centro da Turquia, distante 545 km de Istambul. Em 20 de fevereiro de 2020, Ancara inaugurou uma das maiores e mais belas bibliotecas do mundo, com mais de 4 milhões de livros e publicações em 134 idiomas diferentes. Ao todo são 201 quilômetros de estantes de livros, com capacidade de receber 5 mil pessoas. O espaço – 125.000 metros quadrados – está anexado ao complexo presidencial do país e foi idealizado pelo governo turco, junto a intelectuais, ONGs e grupos beneficentes. Parte do acervo foi obtido por meio de doações e, além dos materiais impressos, o acervo on-line disponibiliza 120 milhões de edições digitais de livros e 550.000 e-books.

João Scortecci


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OS RENEGADOS DE TREVISAN / JOÃO SCORTECCI

Todos nós conhecemos um João, um Luiz, um José, um Francisco e um Joaquim. Isso eu afirmo e ainda passo recibo, se precisar. Um detalhe: Luiz com “Z”. O nome “Joaquim” tem origem hebraica e seu significado é "Deus estabeleceu" ou "aquele que Deus elevou". A primeira versão do nome em português surgiu em Portugal, por volta do século XVIII. No Brasil, hoje, existem, cerca de 8.566 pessoas registradas com esse nome. Lendo a biografia do “Vampiro de Curitiba”, o talentoso e reservadíssimo curitibano Dalton Trevisan (1925 –     ) que no dia de ontem, 14 de junho, completou 99 anos de idade, encontrei referências sobre a “Revista Joaquim”, de cunho literário publicada entre os anos de 1946 e 1948 (21 edições) por Dalton Trevisan, Erasmo Pilotto e Antônio P. Walger. A escolha do título e do subtítulo da revista – “Homenagem a Todos os Joaquins do Brasil” –, tinha dupla intenção: popularizar o veículo e fornecer ao leitor um indicativo da principal característica do periódico: esconder as autorias de determinadas ideias. A revista teve colaboradores do porte de Poty Lazzarotto, Temístocles Linhares, Vinícius de Moraes, Carlos Drummond de Andrade, Wilson Martins, Guido Viaro, Otto Maria Carpeaux, Mario de Andrade, Oswald de Andrade, Sergio Milliet, Lêdo Ivo e Mario Pedrosa. Também publicou inéditos em português de Louis Aragon, Tristan Tzara, T.S. Elliot, Garcia Lorca, Rainer Maria Rilke, André Gide e Jean Paul Sartre. Dalton Trevisan – não o conheço pessoalmente – é autor premiadíssimo: Prêmio Jabuti (1960, 1965, 1995 e 2011), Troféu APCA (1976), Prêmio Portugal Telecom de Literatura (2003), Prêmios Literários da Fundação Biblioteca Nacional (2008, 2015), Prêmio Camões (2012), Prêmio Machado de Assis (2012) e Prêmio do Negrinho (2013). É autor de mais de 50 livros publicados e dois outros, renegados: “Sonata ao Luar” (1945) e “Sete Anos de Pastor” (1948). Detalhe oportuno: na “Revista Joaquim”, número 21, de dezembro de 1948, o escritor, pintor, crítico de arte e tradutor Sérgio Milliet (Sérgio Milliet da Costa e Silva, 1898 – 1966) escreveu crítica sobre um dos livros renegados de Dalton Trevisan: “Sete Anos de Pastor”. Aqui com os meus nervos: talvez, também, renegue dois ou três dos meus livros. Existe um perigo: ninguém esquece de lembrar dos renegados. Para muitos, livros "esgotados" e nada mais.  

João Scortecci  

  

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DARWIN E O LIVRO MAIS CENSURADO E INFLUENTE DA HISTÓRIA / JOÃO SCORTECCI

O naturalista, geólogo e biólogo britânico Darwin (Charles Robert Darwin, 1809 – 1882), célebre por seus avanços sobre evolução nas ciências biológicas, estabeleceu a ideia que todos os seres vivos descendem de um ancestral em comum. Em 1859, publicou A origem das espécies e propôs a teoria de que os ramos evolutivos são resultados de seleção natural e sexual e a luta pela sobrevivência resulta em consequências similares às da seleção artificial. A obra foi publicada em Londres, impressa por John Murray, com tiragem de 1.250 exemplares. A edição se esgotou em um dia, e a Igreja reagiu violentamente. O assunto polêmico gerou artigos de jornais, sátiras e caricaturas que debochavam do britânico. Em 1860, saiu uma segunda edição, que também se esgotou em poucos dias. O livro A origem das espécies provocou um escândalo na sociedade e foi rejeitado em colégios, bibliotecas do mundo e na comunidade científica. Há registro de que edições inteiras foram destruídas e queimadas. A teoria de Darwin – segundo a qual todos os seres vivos descendem de um ancestral em comum – precisou de décadas para ganhar aceitação e reconhecimento da sociedade e da comunidade científica. Hoje, a teoria de Darwin é considerada o mecanismo unificador para explicar a vida e a diversidade na Terra. Pesquisa realizada no Reino Unido durante a Academic Book Week (2019) elegeu A origem das espécies, de Charles Robert Darwin, a obra censurado mais influente da história. Na lista dos 20 títulos censurados mais influentes da história – a título de curiosidade – aparecem: 1984 (George Orwell), Uma vista da ponte (Arthur Miller), Amado (Toni Morrison), Admirável mundo novo (Aldous Huxley), Country girls (Edna O'Brien), Seus materiais escuros (Philip Pullman), Eu sei por que o pássaro engaiolado canta (Maya Angelou), O amante de Lady Chatterley (D. H. Lawrence), Ratos e homens (John Steinbeck), Direitos do Homem (Thomas Paine), Versos satânicos (Salman Rushdie), O apanhador no campo de centeio (J. D. Salinger), A cor púrpura (Alice Walker), As vinhas da ira (John Steinbeck), A metamorfose (Franz Kafka), Para matar um Mockingbird (Harper Lee) e Ulisses (James Joyce). Darwin, em seus últimos anos de vida, publicou outros livros polêmicos: A variação dos animais e plantas sob a ação da domesticação (1868), A descendência humana e a seleção sexual (1871) e Expressão das emoções no homem e nos animais (1872).

João Scortecci

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“DIA DAS LETRAS GALEGAS”, ROSALÍA DE CASTRO E A MORTE / JOÃO SCORTECCI

O dia 17 de maio foi instituído em 1963 como o “Dia das Letras Galegas”, quando se comemoraram os 100 anos de edição da primeira obra escrita em língua galega (língua ibero-românica ocidental de caráter oficial da Comunidade Autônoma da Galiza), “Cantares Gallegos”, da escritora espanhola Rosalía de Castro (Maria Rosalía Rita, 1837 – 885). Nascida em Santiago de Compostela, capital da Comunidade Autónoma da Galiza, noroeste de Espanha, Rosalía de Castro é considerada a fundadora da literatura galega moderna. Escreveu tanto em prosa quanto em verso, utilizando o galego e o castelhano. Sua obra esteve profundamente marcada pelas circunstâncias que rodearam sua vida, como sua origem, os problemas econômicos, a morte dos seus filhos e sua frágil saúde. Em 1863, em Vigo, cidade da costa noroeste da Espanha, o seu primeiro grande livro, "Cantares Gallegos", foi publicado por seu marido, o historiador galego Manuel Murguía (1833 – 1923), que geriu, sem a licença da esposa, a impressão de um “poemário”, que fixa o começo de uma nova era para a poesia galega e foi a base do ressurgimento da literatura nessa língua, até então extinta como língua escrita. Em 1880, Rosalía de Castro publicou “Folhas Novas”, praticamente uma continuação de “Cantares Gallegos”. Em castelhano, publicou “La flor” (1857), “A mi madre” (1863), “En las orillas del Sar” (1884) e o romance “El caballero de las botas azules” (1867), obras marcadas pelo Romantismo literário. Rosalía de Castro passou os últimos anos da sua vida em Padrón, na província espanhola de Galiza, na Casa da Matanza, que depois se tornaria casa-museu. A morte acidental do seu filho mais novo aos dois anos de idade e sua doença amargaram os seus derradeiros anos de vida. Morreu de câncer, em 1885, aos 48 anos de idade. Antes de morrer, pediu aos filhos que queimassem os trabalhos literários que, reunidos e ordenados por ela mesma, não foram publicados. Foi enterrada no campo-santo da Adina, na Galiza. Anos mais tarde, em 1891, seus restos foram transladados para o Panteão de Galegos Ilustres, no convento de São Domingos de Bonaval, em Santiago de Compostela. Entre os poetas – muitos pensam assim – há um pacto pós-morte: “O que não for publicado ou ainda não concluído em vida, deve ser – literalmente – esquecido e queimado!”.  


João Scortecci


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KARL KRAUS, O PANFLETÁRIO DO PAPEL / JOÃO SCORTECCI

Gosto da palavra “panfleto”, o que ela representa e de sua importância na divulgação em massa de uma ideia ou marca. Um sobrevivente: prático e funcional, em tempos de mídia eletrônica. Quem não gosta de um panfleto de rua? Eu adoro. Digo o mesmo dos cartões de visita: insubstituíveis! Alguns – pobres de espírito – chamam-no de folheto. Um folheto é um panfleto que não deu certo: tempo, papel e tinta perdidos! Os panfletos são revolucionários, criativos, irados de ideias, poesia e paixão. No século XII, circulou na Inglaterra um poema de amor escrito em latim, com o nome de “Pamphilus seu de amoré”, anônimo, que se tornou popular e foi traduzido para inglês como “Phamphlet”. Até os fins do século XIV a palavra “Phamphlet” era usada em inglês para designar qualquer texto pequeno, de tamanho menor do que os enormes livros manuscritos daquela época, antes da invenção da imprensa. O dramaturgo, jornalista, ensaísta, aforista e poeta austríaco Karl Kraus (1874 – 1936), indicado duas vezes ao Nobel de Literatura, é considerado como um dos maiores escritores satíricos em língua alemã do século XX e um panfletário “casca de ferida”. Editor e único redator durante quase 40 anos da revista “A Tocha” (“Die Fackel”), denunciava com grande virulência a corrupção da língua, responsabilizando principalmente a imprensa da época. Karl Kraus, filho de um rico fabricante e comerciante de papel, viveu para seus escritos e organizou sua vida em torno de seu trabalho de editor, escritor e panfletário. Durante a vida, tomou posições liberais, conservadoras, socialistas e clericais. Tornou-se membro da Igreja católica, mas abandonou o catolicismo em 1922, vinte e três anos depois que, da mesma forma, renunciou ao judaísmo. Em 1933, escreveu a sátira “A Terceira Noite de Walpurgis” (“Die Dritte Walpurgisnacht”), sobre a ideologia nazista, que começa com a famosa frase, "Mir fällt zu Hitler nichts ein" ("Nada me ocorre sobre Hitler."). Karl Kraus morreu em Viena, em 12 de junho de 1936, aos 62 anos de idade, depois de ter sido atropelado por um ciclista. Para Karl Kraus, a linguagem era o desenvolvedor mais importante dos males do mundo: “que a mais antiga das palavras seja estranha de perto, recém-nascida, e cause dúvida se está viva ou não. Então ela vive!”.

João Scortecci


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ADRIANO NOGUEIRA E OS REGISTROS LITERÁRIOS / JOÃO SCORTECCI

O tempo é veloz! Rosani Abou Adal ligou para mim, convidando: “Scortecci, você não quer escrever para o jornal uma nota sobre os 20 anos da morte do Adriano Nogueira?” Confesso que, antes de dizer “sim”, assustei-me com a velocidade do tempo: 20 anos! Inacreditável! O advogado e escritor Adriano Nogueira nasceu no dia 8 de setembro de 1928, na cidade de Piracicaba, interior de São Paulo. Faleceu em 2004, aos 76 anos de idade. Em 1989, foi um dos fundadores, junto à jornalista e escritora Rosani Abou Adal, do jornal Linguagem Viva.

Aproximamo-nos, Adriano Nogueira e eu, durante a realização do I Concurso de Poesias Linguagem Viva, em 1993, quando editamos os 30 poemas classificados em uma antologia publicada com apoio da Fundação Biblioteca Nacional, União Brasileira de Escritores e Scortecci Editora. Em 1998, a Scortecci Editora publicou o seu livro Registros Literários, seleta de artigos da coluna “Efemérides Literárias”, em que Adriano Nogueira resgata parte da memória de escritores piracicabanos: Almeida Fischer, João Chiarini, Thales de Andrade, Mário Neme, Cecílio Elias Netto, Lino Vitti, Francisco Lagreca, Ortiz Monteiro, David Antunes, Léo Vaz e João Baptista de Souza Negreiros Athayde.

Registros Literários foi prefaciado pelo escritor cearense Caio Porfírio Carneiro, na época secretário-geral da UBE – União Brasileira de Escritores, que assim descreve Adriano Nogueira: "Piracicabano de nascimento de residência a vida inteira, fez o que achou justo: reuniu no livro, em grande parte dele, retratos e registros de figuras e obras dos filhos da terra, que deixaram notável legado para o Estado e o País." 

Adriano Nogueira foi também Secretário da Academia Piracicabana de Letras e Diretor da União Brasileira de Escritores, em várias gestões. Em 1990, recebeu o troféu Mirante, destinado ao destaque cultural do ano de 1990, em Piracicaba. E, nessa cidade, foi um dos fundadores do Diretório Municipal do Partido Socialista Brasileiro, junto ao professor e um dos mais importantes folcloristas brasileiro, o piracicabano João Chiarini (1919 – 1988).

Sensível e inesquecível, Adriano Nogueira nos deixou importante legado sobre a literatura e a cultura piracicabanas. Nas "Efemérides Literárias", ajudou a escrever parte das histórias do jornal Linguagem Viva, hoje memorial da literatura brasileira. No livro Registros Literários, perpetuou-se, registrando com sabedoria e inteligência, traços da história da literatura brasileira.

João Scortecci



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POETA TORQUATO TASSO – O AMOR É UM DESEJO DE BELEZA / JOÃO SCORTECCI

Sorrento é uma comuna italiana da região da Campânia, província de Nápoles, Itália, onde nasceu o poeta Torquato Tasso, em 11 de março de 1544. Jerusalém libertada (Gerusalemme Liberata), sua obra-prima, é um poema épico publicado em 1581, no qual são narrados, em versão ficcionalizada, combates entre cristãos e muçulmanos, no fim da Primeira Cruzada, proclamada em 1095, pelo papa Urbano II, com o objetivo de auxiliar os cristãos ortodoxos do Leste e libertar Jerusalém e a Terra Santa do jugo muçulmano. Com base nesses fatos históricos, o poeta narra episódios em que os cavaleiros cristãos, liderados por Godofredo de Bulhão, combatem os muçulmanos, a fim de levantar o Cerco de Jerusalém em 1099. O poema é composto em estrofes de oito versos, distribuídos por oito cantos de extensão variável. Uma das características mais marcantes do texto é o conflito entre os impulsos do coração e as demandas do dever, como acontece entre os personagens Tancredo e Clorinda: ele, um soldado cristão; ela, uma guerreira muçulmana. O poema teve grande repercussão na época, pois o Império Otomano, também conhecido como Império Turco, fundado no fim do século XIII pelo líder tribal Oguz Osmã, estava se expandindo e representava uma ameaça para a Europa. Em 1576, Torquato Tasso começou a dar mostras de descontrole mental – ficou visto como perigoso – e a sofrer de mania de perseguição. Esteve várias vezes recolhido em conventos e manicômios, e, numa dessas ocasiões, roubaram-lhe os manuscritos de Jerusalém Libertada, que acabou pirateado e publicado, sem sua autorização. Ele concluiu a obra em 1575, mas passou vários anos revisando o texto antes de sua publicação em 1581. A edição do poema épico em dois volumes foi concluída em 1745, pelo editor e jornalista veneziano Giovanni Battista Albrizzi (1698 – 1777), membro de uma família ativa no comércio livreiro de Veneza. Torquato Tasso morreu aos 51 anos de idade, em 25 de abril de 1595, poucos dias antes de ser coroado “Rei dos poetas”, pelo Papa Urbano II. Até o início do século XX, era um dos poetas mais lidos na Europa e continua sendo um dos poetas mais célebres da literatura italiana e universal. São dele estas também célebres palavras: “Perdido é todo o tempo que em amor não é gasto” e “O amor é um desejo de beleza”.

João Scortecci

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COPYRIGHT E O ESTATUTO DA RAINHA ANA / JOÃO SCORTECCI

O uso pela primeira vez do termo “copyright” data de 1701, na Stationers Company (Worshipful Company of Stationers and Newspaper Makers), companhia real inglesa, que detinha o monopólio da indústria editorial e era, oficialmente, responsável por estabelecer e fazer cumprir os chamados regulamentos de reprodução e venda de obras literárias, até a promulgação do “Estatuto da Rainha Ana”, de 10 de abril de 1710. Foi a Rainha Ana (1665 – 1714) quem uniu em um único Estado soberano a Inglaterra e a Escócia, no chamado Reino da Grã-Bretanha. Existem correntes que sujeitam o nascimento do direito de autor à invenção da imprensa, na Europa, no século XV, criada a partir da invenção da prensa de tipos moveis pelo alemão Johannes Gutenberg. É sabido que muito antes da invenção da imprensa na Europa, a China e a Coréia já contavam com técnicas de impressão, e não se pode esquecer, também, que já havia noções de propriedade intelectual na Roma Antiga. No final do século XIX, vários Estados, assinaram o primeiro acordo multilateral sobre Proteção das Obras Literárias e Artísticas, na chamada “Convenção de Berna”, de 9 de setembro de 1886, na Suíça. A Convenção foi revista em Paris (1896) e Berlim (1908), completada em Berna (1914), revista em Roma (1928), Bruxelas (1948), Estocolmo (1967) e Paris (1971) e emendada em 1979. Desde 1967, a Convenção é administrada pela World Intellectual Property Organization (WIPO), incorporada às Nações Unidas em 1974. No Brasil, a Lei n. 9.610 de 19/02/1998 regula os direitos de autor. Esse direito exclusivo do autor (art. 5. º, XXVII, da Constituição Federal de 1988), constitui-se como um direito moral (criação) e um direito patrimonial (pecuniário) de utilização, publicação ou reprodução de suas obras, transmissível aos herdeiros pelo tempo que a lei fixar. No Brasil – país signatário da Convenção de Berna, pelo Decreto Legislativo nº 94, de 4 de dezembro de 1974 – uma obra entra em domínio público após 70 (setenta) anos, contados de 1° de janeiro do ano subsequente ao falecimento do autor ou do último coautor, se houver. Como regra, o domínio público refere-se tão somente aos direitos patrimoniais do autor, não se aplicando aos direitos morais, os quais são imprescritíveis. O espírito humano agradece!

João Scortecci

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CLEONICE BERARDINELLI: VIVER NÃO É PRECISO / JOÃO SCORTECCI

Dói pensar – e saber, entristecido, que não pude, não tive, a oportunidade de conhecer pessoalmente a professora e acadêmica Cleonice Berardinelli (Cleonice Seroa da Mota Berardinelli, 1916 – 2023). Perdi, com a minha falta de sorte – ou desatenção, provavelmente – a oportunidade de conhecer junto, do seu jeito, Fernando Pessoa e sua legião de heterônimos. Pobre de mim! Numa matéria na TV – quando da sua morte, em 2023 – a vi declamando versos de Pessoa. Conheci, convivi, fui amigo e próximo de muitos “imortais”. E daí? Nesses 50 anos de livros – ininterruptos – a trupe, covardemente, navegou contra o vento, velozmente. Navegar é preciso? Conto – na dor que só cresce com a maré – apenas os perdidos, os náufragos. E daí? Estou perto dos 70 anos – eu sei, eu sinto – que o tempo ceifador não me perdoará, nunca. Dói nos dias ruins – dia sim, dia não – perder piratas, sereias, marujos e heterônimos da palavra. E daí? Tudo falta de mim mesmo.   

João Scortecci   


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CÉCILE SAUVAGE, A "POETISA DA MATERNIDADE" E DO EROTISMO MÍSTICO / MARIA MORTATTI

Recentemente conheci a poetisa francesa Cécile Sauvage (20.07.1883 –16.08.1927), por meio do comentário de um amigo sobre meus livros de poemas, que o fizeram evocar o erotismo místico da “poetisa da maternidade”, epíteto com que ela ficou conhecida em seu país, conforme retratada pelo escritor Henri Pourrat (1887 – 1959), no romance La Veillée de Novembre (A vígília de novembro), a ela dedicado. Relativamente pouco conhecida nas décadas inicias do século XX e muitas vezes lembrada apenas como mãe do renomado compositor Olivier Messiaen, Cécile Sauvage deixou um importante legado poético, que vem sendo redescoberto com o crescente interesse pela literatura de autoria feminina do século XX. Foi elogiada pela escritora e filósofa feminista Simone de Beauvoir, em O segundo sexo (1949). Mais recentemente, a poeta e pesquisadora francesa Béatrice Marchal recuperou e transcreveu os manuscritos perdidos de poemas de amor de Sauvage, sua poesia foi traduzida na Inglaterra por Emily Vogel e Daria Chernysheva, e, na Itália, por Elena Bugin. Em sites da Internet, estão disponíveis alguns poemas em francês e traduções em inglês, além de algumas informações sobre sua vida e obra, que reúno neste texto. 

Nascida na cidade de La Roche-sur-Yon (Vendée), Cécile Sauvage se mudou com a família, em 1888, para a cidade de Digne-les-Bains, região da Provença, onde cursou o Liceu e, com 20 anos de idade, escreveu o longo poema Les Trois Muses (As três musas). Seu pai, Prosper Sauvage, professor de História, que a encorajava nas atividades literárias, enviou o manuscrito ao poeta francês de língua occitana, Frédéric Mistral (1830 – 1914), que, por sua vez, incentivou a poetisa a enviá-lo para a Revue forézienne, de Saint-Étienne, cujo editor era Pierre Messiaen, professor de língua inglesa e conhecido por sua tradução crítica da obra de Shakespeare. O editor ficou impressionado com o poema, iniciou-se correspondência amorosa entre eles, casaram-se em 1907 e tiveram dois filhos Olivier Messiaen (1908 – 1992), que se tornou compositor, e Alain Messiaen (1912 – 1990), que se tornou poeta. Em 1909, Cécile Sauvage se apaixonou por Jean de Gourmont, irmão de Rémy de Gourmont, editor e fundador da revista Mercure de France, de Paris, em que também foram publicados poemas de Sauvage. Em 1910, Pierre Messiaen foi transferido para uma escola em Ambert, na Auvergne, onde moraram até 1913. Ela viveu por muito tempo na cidade de Saint-Étienne, onde escrevia diariamente e conheceu a obra de poetas ingleses. Quando Pierre foi para o front durante a Primeira Guerra mundial, a poetisa morou com os filhos no apartamento de seu irmão, na cidade de Grenoble, onde havia um piano e Olivier Messiaen se descobriu músico. Depois, a família se instalou em Paris e lá a poetisa morreu de tuberculose com 44 anos de idade. 

Cécile Sauvage publicou, em vida, apenas dois volumes de poemas, ambos pela editora Mercure de France: Tandis que la terre tourne (Enquanto a terra gira), de 1910 – em que se encontra L’Âme en bourgeon (Alma em botão), seu mais conhecido conjunto de poemas que tratam da maternidade e foram escritos durante a gravidez do primeiro filho, Olivier Messiaen; e Le Vallon (O Vale), de 1913 – em que se encontra outro conjunto de poemas sobre a maternidade, mas em tom mais melancólico e evocando a paisagem de Auvergne e a fauna e flora da Provença. Postumamente, sua obra foi reunida por Pierre Messiaen e publicada no volume Les Œuvres de Cécile Sauvage (Obras completas de Cécile Sauvage), de 1929, no qual constam: poemas sobre outros assuntos, como os primeiros com um tom pastoral – que, para alguns estudiosos, lembram os do poeta francês Francis Jammes (1868 – 1938) –; o conjunto de poemas Primevère (Prímula); trechos de poema dramático, de cartas e de escritos pessoais. Também foram publicadas postumamente, com edição e apresentação de Pierre Messiaen, a coletânea de ensaios sobre ela, Cécile Sauvage: Études et souvenirs (Cécile Sauvage: estudos e lembranças), de 1929, e uma coletânea com trechos de Lettres à Pierre Messiaen (Cartas a Pierre Messiaen), de 1930. Há, ainda, outros documentos nos arquivos de Olivier Messiaen e Yvonne Loriod-Messiaen preservados na Bibliothéque Nationale de France. Em 2009, Béatrice Marchal publicou o livro Écrits d’amour (Escritos de amor) (Paris: Éditions du Cerf), com manuscritos inéditos, entre os quais os poemas de amor dedicados a Jean de Gourmont, como "L’Étreinte mystique" ("O abraço místico"), "Prière" ("Prece"), and "L’Aile et la rose" ('A asa e a rosa"). 

O erotismo místico pode ser observado neste trecho de poema de Écrits d’amour: “Oh! où es-tu mon amour, j'ai soif de ta caresse, / Je te cherche dans l'air autour de moi, je presse / Ton fantôme en mes bras, tu tombes sur mon coeur, / J'ai dans mes bras le poids de ton corps, sa chaleur, / Je sens fléchir ta taille et ta tête s'incline. / La chaleur de ta bouche enfièvre mon visage, / Je vais te respirer, te boire... et tout s'efface. /Hélas! n'es-tu pas là? Mes pauvres bras sont vides...” ("Oh! onde está você meu amor, tenho sede de seu carinho, / Procuro você no ar ao meu redor, pressiono / Seu fantasma em meus braços, você cai no meu coração, / Tenho em meus braços o peso do seu corpo, seu calor, / Sinto sua cintura flexionar e sua cabeça inclinar. / O calor da sua boca deixa meu rosto febril, / Vou respirar você, beber você... e tudo desaparecerá. / Infelizmente! você não está aí? Meus pobres braços estão vazios...”) (Tradução minha) 

Alguns dos poemas de L’Âme en bourgeon, foram musicados por Claude Debos e Olivier Messiaen, que destacava a importância, para sua carreira musical, da “profecia” da mãe e do “ambiente feérico” em que ela criou seus filhos. Eis um trecho do poema “La Tête” (“A cabeça”), de “L’Âme de bourgeon”: "Ô mon fils, je tiendrai ta tête dans ma main, /Je dirai : j’ai pétri ce petit monde humain ; / tous ce front dont la courbe est une aurore étroite / J’ai logé l’univers rajeuni qui miroite /Et qui lave d’azur les chagrins pluvieux. /Je dirai : j’ai donné cette flamme à ces yeux, / J’ai tiré du sourire ambigu de la lune,” ("Ó meu filho, vou segurar sua cabeça em minhas mãos, /Direi: fui eu quem moldou este pequeno mundo humano; / Sob esta frente cuja curva é uma estreita madrugada / Eu abriguei o universo rejuvenescido que brilha / E que lava as tristezas chuvosas com o azul. /Direi: dei essa chama a esses olhos, / Tirei do sorriso ambíguo da lua,”) (Tradução minha)

Estudiosos da obra de Sauvage destacam como principais características as alegrias da maternidade e a simplicidade da natureza – para alguns inspirada na poesia da cantora e poeta francesa Marceline Desbordes-Valmore (1786 –1859), a única mulher entre os “poetas malditos” do Romantismo francês, como Baudelaire, Verlaine, Rimbaud, Lautréamont. Mais recentemente, com a descoberta de seus poemas de erotismo místico dedicados ao amante,  foi também considerada “poetisa do amor”, evocando a obra de dois religiosos espanhóis: a freira e poeta Santa Teresa d' Ávila (28.03.1515 – 04.10.1582) e o sacerdote, místico e poeta San Juan de la Cruz (1542 – 14.12.1591). Para outros, ainda, e também para Olivier Messiaen, confidente da mãe, a coletânea póstuma organizada por Pierre Messiaen contém alterações nas dedicatórias e nomes, por exemplo, para ocultar o amor adúltero de sua esposa. Há ainda os que afirmam não haver evidências suficientes de inspirações de outros poetas em sua obra, até porque Sauvage preferiu “escrever em silêncio” em sua “mesinha branca manchada de tinta”, distanciada do mundo literário, apesar da insistência da família para que ela participasse de prêmios literários.

Conhecendo um pouco mais sobre a vida de Cécile Sauvage e a surpreendente contemporaneidade e universalidade da obra que produziu no início do século XX, especialmente os escritos de amor marcados pelo erotismo místico – transgressor para os padrões morais de comportamento feminino de sua época –, é possível entender por que ficou silenciada por muitas décadas e somente passou a ser novamente apreciada quando condições objetivas propiciaram avanços nas lutas em defesa dos direitos das mulheres, também à voz na literatura. À sua gradativa redescoberta cabe a analogia/profecia de seus versos na coletânea Melancolie: "Souvent le cœur qu’on croyait mort / N’est qu’un animal endormi ; / Un air qui souffle un peu plus fort  / Va le réveiller à demi ; /Un rameau tombant de sa branche / Le fait bondir sur ses jarrets / Et, brillante, il voit sur les prés / Lui sourire la lune blanche." ("Muitas vezes o coração que pensávamos estar morto / É apenas um animal adormecido; / Um ar que sopra um pouco mais forte / Vai meio que acordá-lo; / Um ramo caindo do galho / Fazendo-o pular de joelhos / E, brilhante, ele vê sobre os prados / A lua branca a lhe sorrir.") (Tradução minha)

Maria Mortatti – 13.03.2024



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O POETA TARAS E AS BANDURAS DA UCRÂNIA / JOÃO SCORTECCI

O poeta e pintor ucraniano Taras Shevchenko nasceu em 9 de março de 1814, numa família de servos, na Província de Kiev – durante o Império Russo –, hoje capital da Ucrânia. Foi fundador da literatura moderna ucraniana. Sua maior obra foi a coletânea poética Kobzar, publicada no ano de 1840, em São Petersburgo. Depois da publicação da obra, Taras foi apelidado de “O Kobzar” – contador de histórias, criador de versos, compositor de música, historiador oral itinerante, que canta com seu próprio acompanhamento, tocado em uma “bandura”, instrumento popular ucraniano, de cordas dedilhadas. Ficou órfão aos 11 anos de idade e se tornou propriedade do aristocrata e militar russo, Pavel Engelhardt (1798 – 1849). Em 5 de maio de 1838, com a ajuda do pintor e professor russo Karl Briullov (1799 – 1852), que doou a uma loteria um quadro do retrato do famoso poeta russo Vasily Zhukovsky (1783 –1852), com o objetivo de arrecadar fundos, Taras Shevchenko conseguiu sua liberdade. Nesse mesmo ano, foi aceito para estudar na Academia Imperial de Artes. No ano seguinte, foi agraciado com uma medalha de prata e, em março de 1845, o Conselho da Academia da Arte atribuiu-lhe o título de "artista", honraria para poucos. Em 5 de abril de 1847, foi preso durante o processo da “Irmandade dos Santos Cirilo e Metódio”, organização política que pretendia transformar o Império Russo numa federação de estados eslavos. A polícia russa encontrou com Shevchenko o poema "Sonho", que atacava a monarquia russa, satirizava o Czar Nicolau I e sua esposa, a rainha Alexandra. Foi, então, enviado à prisão em São Petersburgo e depois mandado para o exílio na base militar russa de Orsk, junto aos montes Urais, ficando, ainda, proibido de “escrever, desenhar e pintar”. Dez anos depois, em 1857, voltou do exílio e fixou residência em Nijni-Novgorod, Distrito Federal do Volga, no sul da Rússia Europeia. Em maio de 1859, recebeu a permissão para visitar a Ucrânia. Morreu de ascite, popularmente conhecido como “barriga d'água”, em 10 de março de 1861, aos 47 anos de idade. Shevchenko foi sepultado no Cemitério Smolensk, em São Petersburgo e, meses depois, transferido para a cidade de Kaniv, na Ucrânia, como era seu desejo expresso no poema "Testamento”: “É-me indiferente”, um de seus poemas mais conhecidos, é marcado pelo profundo patriotismo: “É-me indiferente, se vou / Eu viver na Ucrânia, ou não / Se alguém se lembrará, ou esquecer-me-á / Na neve do exílio - / É-me mesmo indiferente. / Sem liberdade cresci entre os desconhecidos,/ E, sem ser chorado pelos meus,/ Sem liberdade, chorando, morrerei,/ E tudo levarei comigo,/ Nem uma pequena mancha deixarei / Na nossa gloriosa Ucrânia, / Na nossa – mas que não é a nossa terra. / E nem se lembrarão o pai com o filho,/ Nem dirá ao filho: “Reza,/ reza, filho: pela Ucrânia / Que outrora foi torturada / É-me indiferente, se vai / Esse filho orar, ou não…/ Mas não me é indiferente,/ Como a Ucrânia é adormentada / Por pessoas más, mentirosas, e no fogo,/ Já roubada, a acordarão…/ Oh, isso já não me é indiferente.”

João Scortecci

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O LIVRO TRIANGULAR E O DRAGÃO ALADO / JOÃO SCORTECCI

Triângulo equilátero é um tipo de triângulo que tem os três lados iguais, e seus ângulos internos medem 60º. São vistos como símbolos místicos e usados em diferentes culturas e tradições esotéricas. O Livro Triangular (Manuscrito Triangular) é um texto francês, sem título, do século XVIII, escrito em código e atribuído ao lendário conde de St. Germain (Jacques St. Germain, 1696 – 1784), com encadernação e folhas de pergaminho no formato de um triângulo equilátero. Conde de St. Germain foi uma das figuras mais misteriosas do século XVIII. Era considerado místico, alquimista, ourives, lapidador de diamantes, cortesão, aventureiro, cientista, músico, compositor e imortal. O Livro Triangular começa com uma pequena inscrição em latim, mencionando tratar-se de um presente oferecido pelo conde de St. Germain, e seguido por uma ilustração de um dragão alado. Todo o texto – incluindo as inscrições pertencentes aos diagramas – está em códigos. O manuscrito, encadernado em couro e dourado na frente, mede 23,7 cm em cada um dos seus três lados. Na tradição do grimório – coleções medievais de feitiços, rituais e encantamentos mágicos invariavelmente atribuídas a fontes clássicas hebraicas ou egípcias – encontra-se a prática de conjurar espíritos e anjos, em um triângulo desenhado no chão. Essa forma particular, fortalecida pelos nomes divinos escritos ao redor dela, foi pensada para forçar um espírito a responder honestamente e cumprir seus deveres sem demora. O ritual descrito no Manuscrito Triangular assemelha-se aos descritos no grimório Heptameron, um manual de magia ritual atribuído ao filósofo, astrólogo e professor de medicina italiano Pietro d'Abano (1257 – 1316), que apareceu por volta do século XVI na Europa. As duas cópias conhecidas do Livro Triangular (Manuscrito Triangular) fazem parte das coleções do Getty Research Institute, localizado no Getty Center em Los Angeles, Califórnia, EUA. Os espíritos cantam sobre uma poderosa criatura – dragão alado – que reina sobre tudo o que é místico. Muito presente no folclore e na arte asiática, seu significado faz menção à condição de força e poder. Representa a energia transformadora do fogo. A palavra se origina do grego “drákōn”, que significa “ver claramente” ou “aquele que enxerga longe”. Na alquimia, o dragão expressa a manifestação do ser superior e protetor sobre o trabalho do alquimista. Ele é a união dos quatro elementos: Ar, Fogo, Água e Terra. É a força expansiva do pensamento e da inteligência, da liberdade e da responsabilidade espiritual.

João Scortecci

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TRIÂNGULO HISTÓRICO DE SÃO PAULO E A CASA GARRAUX / JOÃO SCORTECCI

A Rua 15 de Novembro, no centro da capital do estado de São Paulo, faz parte do chamado “Triângulo Histórico” da cidade. Foi aberta no século XVI, com o nome de Rua Manoel Paes Linhares, ligando o Pátio do Colégio e o Largo da Sé ao Largo de São Bento. A partir de 1715, com a construção da Igreja de Nossa Senhora do Rosário dos Homens Pretos (Largo do Rosário, atual Praça Antônio Prado), passou a ser conhecida como a Rua do Rosário. Em 1846, a Câmara Municipal decidiu alterar seu nome para Rua da Imperatriz, como forma de homenagear D. Teresa Cristina, esposa de D. Pedro II. Com a Proclamação da República, em 1889, o nome passou a ser Rua 15 de Novembro. O Triângulo Histórico da cidade (Decreto n. 61.815, de 24 de março de 2020) compreende o espaço inserido nas áreas de abrangência do perímetro formado pelas ruas Sete de Abril, Coronel Xavier de Toledo, Praça Ramos de Azevedo, Conselheiro Crispiniano, Avenida São João e Avenida Ipiranga. No início do século XX, a Rua 15 de Novembro foi retificada em seu traçado, adquirindo um aspecto mais retilíneo em relação ao anterior, que era sinuoso, devido ao fato de que ela contornava os vales do antigo “Quintal do Colégio”, hoje parte da Ladeira General Carneiro. A partir do ano de 1900, a Rua 15 de Novembro se tornou uma das mais importantes da cidade, com belos edifícios, livrarias, cafés, restaurantes e sedes dos jornais “Correio Paulistano”, “Diário Popular” e “O Estado de S. Paulo”. Posteriormente, tornou-se “centro bancário” da cidade, até a década de 1970, quando os grandes bancos migraram para a Avenida Paulista. Entre 1860 e 1934, a famosa Casa Garraux, livraria fundada pelo francês Anatole Louis Garraux, funcionou na Rua da Imperatriz, n. 250. O estabelecimento era conhecido como uma grande “tentação”, devido à diversidade de produtos importados que comercializava: penas para escrita, envelopes, papéis de carta, artigos de escritório, revistas e periódicos, jogos, globos terrestre, charutos cubanos, além, é claro, de livros, muitos livros. No endereço da antiga Casa Garraux, hoje funciona o restaurante Bovinu's Fast Grill. Na fachada, permanecem as duas esculturas em ferro fundido – obras listadas no catálogo de 1892 da Fundição Val d'Osne de Paris, sob os números 325 e 323 –, representando dois ícones do século XV ligados à invenção da imprensa: os alemães Johannes Fust e Johannes Gutenberg.


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O POETA GEORG TRAKL EM GÉLIDOS CALAFRIOS / JOÃO SCORTECCI

Aos emudecidos das trevas. Das tripas, “A puta, em gélidos calafrios, pare uma criança morta”. No papel, versos do poeta austríaco Georg Trakl (1887 – 1914). Hoje chove calor: “árvores atrofiadas fitam inertes ao longo do muro negro”. “Oh! Tão tristes as sombras nos muros”. Cegueira. Um pedido da quase noite: “A luz, com açoite magnético, expulsa a noite pétrea”... Sinos da tarde? Talvez. “A cólera de Deus chicoteia enfurecida a fronte do possesso”, aquele que se crê dominado pelo demônio. “Epidemia purpúrea” – números imorais: “fome que despedaça olhos e carne”. Mundo enlouquecido pelo fim. Georg Trakl – tomado de ira – consome ópio, veronal e cocaína. Depois, o suicídio, aos 27 anos de idade. O poeta maldito teve uma relação incestuosa com sua irmã, seu grande amor. Calafrios! Poesia de profunda angústia, melancolia e desespero humano. “Crepúsculo: A enfermidade fecha-os fantasmagoricamente nela./As estrelas espalham uma tristeza alva/ No cinzento, cheios de ilusão e repiques,/Vê como, horríveis, se dissipam confusamente.” Georg Trakl, emudecido, então, sussurrou-me sua dor: “O que faço do rebento morto?” Mais calafrios! Gélidos do inferno, pensei. Embalo trevas – com o manto branco do abandono – e, no ópio, entrego-me aos silêncios. Durmo e acordo Georg Trakl. Espero a chuva passar – tudo no seu tempo – e depois passarinhos. Veronal, de verão. 

João Scortecci

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WILLIAM MCKINLEY, ELBERT HUBBARD E "UMA MENSAGEM A GARCIA" / JOÃO SCORTECCI

Meu pai, Luiz Gonzaga, era assinante da revista Seleções – isso nos anos 1960. Lia e relia a brochura de cabo a rabo! Era vidrado na seção “Piadas de caserna”, que ilustrava as duas últimas páginas da revista. Seleções é a denominação da versão brasileira da Reader’s Digest, criada em Pleasantville, Nova York, no ano de 1918, por DeWitt Wallace (1889 –1981) e sua esposa, Lila Bell Wallace (1889 – 1984). Eu tinha pouco mais de 13 anos quando o meu pai – eufórico – entregou-me para ler um artigo publicado na revista. “Eu?” “Sim. Leia!” Foi o que eu fiz. Era um artigo do filósofo e escritor norte-americano Elbert Hubbard (Elbert Green Hubbard, 1856 – 1915), intitulado “Uma mensagem a Garcia”. “Leia e guarde a mensagem pelo resto da sua vida.”, insistiu meu pai. O texto – belíssimo – e mais atual do que nunca, relata a história de "um camarada de nome Rowan" que heroicamente, contra todas as adversidades, levou uma mensagem do presidente estadunidense McKinley (William McKinley, 1843 – 1901), ao general nacionalista Garcia (Calixto Garcia Íñiguez, 1839 – 1898), líder das forças rebeldes cubanas durante a Guerra Hispano-Americana. O texto foi escrito no dia 22 de fevereiro de 1899, data comemorativa de 100 anos de nascimento do primeiro presidente dos Estados Unidos, Washington (George Washington, 1732 – 1799), líder da vitória na guerra da independência. “Uma Mensagem a Garcia”, de Elbert Hubbard, é um texto vibrante, humano e imortal e pode ser encontrado facilmente na Internet. McKinley foi o último presidente a ter lutado na Guerra de Secessão, começando como um soldado no Exército da União e terminando como major. Em 6 de setembro de 1901, William McKinley foi baleado pelo anarquista Leon Czolgosz, nas dependências do Temple of Music, na Exposição Panamericana em Buffalo, em Nova York, quando cumprimentava o público. Faleceu em 14 de setembro, de gangrena, causada por seus ferimentos. “Precisa-se, com urgência, de um homem de nome Rowan, capaz de levar uma mensagem a Garcia.”

João Scortecci


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RENÉ THIOLLIER, O MECENAS ESQUECIDO DE 1922 / JOÃO SCORTECCI

O escritor e advogado René Thiollier (René de Castro Thiollier, 1882 – 1968) foi um dos fundadores do Teatro Brasileiro de Comédia e conselheiro no Liceu de Artes e Ofícios de São Paulo. Foi também um dos organizadores da Semana de Arte Moderna, realizada de 13 a 17 de fevereiro de 1922, no Theatro Municipal de São Paulo. René, amigo pessoal do então prefeito da capital paulista, Artur Bernardes (Artur da Silva Bernardes, 1875 – 1955), foi quem pagou, do próprio bolso, o aluguel do teatro. Era filho do francês Alexandre Honoré Marie Thiollier e de Fortunata de Sousa e Castro Thiollier, irmã da Baronesa de Itapetininga e Baronesa de Tatuí, proprietária de todo o Vale do Anhangabaú. A família morava numa luxuosa casa na Avenida Paulista, n. 1.853, esquina com a Alameda Ministro Rocha Azevedo. Durante anos, a casa abrigou as reuniões da Academia Paulista de Letras, da qual René Thiollier era secretário-geral perpétuo. Como cronista e colunista social, escreveu para periódicos, como Diário Popular, Jornal do Commercio, Correio Paulistano, O Estado de S. Paulo e Revista do Brasil. Publicou livros de contos (Senhor Dom Torres e A Louca do Juqueri); estudos histórico-biográficos (Um grande chefe abolicionista: Antônio Bento, A república rio-grandense e A guerra paulista de 1932); crônicas e ensaios (O homem da galeria, Episódios de minha vida e A Semana de Arte Moderna). Em 1934, foi eleito membro da Academia Paulista de Letras e um dos responsáveis pela criação da revista da entidade. Foi diretor dessa revista por 15 anos, até 1952, quando, voluntariamente, afastou-se, para sempre, dessa Academia. Sobre a obra literária de René Thiollier – que acabou não “vingando” –, questiona-se a qualidade da escrita e o descompasso com as ideias modernistas da época. René Thiollier foi um mecenas, e sua ajuda e colaboração foram fundamentais para a realização, com êxito, da Semana de Arte Moderna de 1922. Em 18 de abril de 2008, por meio do Decreto n. 49.418, do prefeito Gilberto Kassab, foi criado no município de São Paulo o Parque Prefeito Mário Covas, inaugurado em 25 de janeiro de 2010, numa área de 5.400 m², localizada na esquina da Avenida Paulista com a Alameda Ministro Rocha de Azevedo. Essa decisão recebeu críticas da Família Thiollier e de outros paulistanos, que gostariam de homenagear o antigo proprietário do local, o escritor e advogado René Thiollier. Seu pai, Alexandre Honoré Marie Thiollier – que foi proprietário da primeira livraria de São Paulo, a Casa Garroux – construiu a mansão da Avenida Paulista em homenagem à esposa, Fortunata. Em 1909, Alexandre Honoré viajou para a Europa para tratamento da saúde, alugando, então, o casarão para a família Burle Marx. Na época, o casal esperava o quarto filho, que nasceu no casarão e que viria a ser o famoso paisagista Roberto Burle Marx (1909 – 1994). René Thiollier – o mecenas esquecido – morreu no ano de 1968, aos 86 anos de idade.

João Scortecci

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THIAGO DE MELLO, O POETA FEITO DE CANTO E PÃO / JOÃO SCORTECCI

“Moço, onde fica Barreirinha?”. Logo ali, perto de tudo e longe do nada, na direção de Manaus, na leveza das águas do Rio Andirá e – quem a vida nos dirá –, morada do poeta, Thiago de Mello (30.03.1926 – 14.01.2022). Conheci-o nos anos 1980, durante a Bienal Nestlé de Literatura. Inquieto e doce. Sorriso leve, feito de pássaros e sereno: necessariamente ele. Amoroso! Foi o que me disseram de sua intimidade. Durante a ditadura militar no Brasil, Thiago de Mello se exilou na Argentina, no Chile, em Portugal e na Alemanha. No Chile, rabiscou versos com Neruda, que escreveu um belo depoimento para o livro de Thiago de Mello: “Faz escuro, mas eu canto”, de 1965. Quando voltou ao Brasil, foi preso. E voltou por quê? Para lutar e lutar. Dizia isso, sempre, como em seu poema “mais querido”, “Madrugada camponesa”, em versos de fecundar a terra: “(...) faz escuro ainda no chão,/ mas é preciso plantar/ (...) Não vale mais a canção/ feita de medo e arremedo/ para enganar a solidão.” O poeta voltou - para perto de tudo - e lutou. Sobre a natureza humana, escreveu: “Agora vale a verdade/ cantada simples e sempre,/ agora vale a alegria/ que se constrói dia a dia/ feita de canto e de pão.” Thiago de Mello é considerado um dos poetas mais influentes e respeitados no Brasil, reconhecido como um ícone da literatura amazonense e brasileira. Tem obras traduzidas para mais de trinta idiomas. Um de seus poemas mais conhecido é “Os Estatutos do Homem – Ato Institucional Permanente”, escrito no Chile, em 1964, no qual “clama” a atenção para os valores simples da natureza humana. “Permanente?”. Sim, permanente e único. No Artigo I, sanciona: “Fica decretado que agora vale a verdade./que agora vale a vida/e que de mãos dadas/trabalharemos todos pela vida verdadeira (...)”. “Os Estatutos do Homem”, composto por 13 Artigos e um “Artigo final”, é de uma beleza ímpar e universal. Um hino à liberdade, forjado nos princípios da natureza. O “Artigo final” consagra e celebra o espírito de paz pelo homem e pela vida. O poeta determina: “Fica proibido o uso da palavra liberdade,/ a qual será suprimida dos dicionários/e do pântano enganoso das bocas./A partir deste instante/ a liberdade será algo vivo e transparente/como um fogo ou um rio,/e a sua morada será sempre/o coração do homem.” Conta o poeta que, quando mostrou esse poema para Neruda, ele se emocionou e disse: “Quero vê-lo traduzido para o espanhol.”  Thiago, o poeta, feito de canto e pão. “Faz escuro, mas eu canto”: assim é a vida verdadeira.

João Scortecci

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TYPHIS, O TIMONEIRO DE ARGO, E FREI CANECA, ESCRITOR DE PAPÉIS INCENDIÁRIOS/ JOÃO SCORTECCI

O semanário Typhis Pernambucano foi fundado e editado pelo escritor, jornalista, clérigo católico e político Frei Caneca (Joaquim da Silva Rabelo, 1779 – 1825). O semanário – impresso no formato 21 x 30 cm – circulou entre 25 de dezembro de 1823 e 12 de agosto de 1824, num total de 29 exemplares. Foi inspirado em Tífis, discípulo da deusa Atena, timoneiro da embarcação Argo, construída com a ajuda da deusa para que Jasão e os argonautas navegassem de Iolcos até Cólquida, para recuperar o Velocino de Ouro – a lã de ouro do carneiro alado Crisómalo. O Typhis Pernambucano trazia, como epígrafe, versos d’Os Lusíadas, de Luís Vaz de Camões: "Uma nuvem que os ares escurece sobre nossas cabeças aparece". Frei Caneca, erudito, de origem humilde, conhecido por esse apelido por ter sido vendedor de canecas quando garoto, em Recife, foi educado no Seminário de Olinda. Dirigindo o jornal, fazia sua pregação republicana, denunciando o autoritarismo imperial e conclamando a população à luta. Em seu primeiro número, lançado em 25 de dezembro de 1823, o Typhis Pernambucano anunciava que o país parecia "uma nau destroçada pela fúria oceânica, ameaçando soçobro, carecendo da ajuda decidida e abnegada de todos os seus filhos". Frei Caneca participou da Revolução Pernambucana (1817), que proclamou uma república e organizou o primeiro governo independente na região. Com a derrota do movimento, foi preso e enviado para Salvador, Bahia, onde permaneceu detido por quatro anos, dedicando-se à redação de uma gramática da língua portuguesa. Libertado em 1821, voltou a Pernambuco e retomou as atividades políticas. Em 2 de julho de 1824, em Pernambuco, eclodiu a Confederação do Equador, movimento revolucionário de caráter republicano e separatista, alastrando-se para outras províncias do Nordeste do Brasil. O movimento, no entanto, não obteve sucesso e acabou derrotado. Frei Caneca foi preso, acusado do crime de sedição e rebelião contra as imperiais ordens de Sua Majestade, e condenado à morte por enforcamento. Nos autos do processo, Frei Caneca foi indiciado como um dos chefes da rebelião e "escritor de papéis incendiários". Armado o espetáculo do enforcamento, em 13 de janeiro de 1825, diante dos muros do Forte das Cinco Pontas, três dos carrascos se recusaram a enforcá-lo. A Comissão Militar ordenou, então, seu fuzilamento atado a uma das hastes da forca. O corpo foi colocado num caixão de pinho e deixado no centro de Recife, em frente ao Convento das Carmelitas. Foi recolhido pelos padres Carmelitas e enterrado em um local até hoje não identificado.

João Scortecci

 

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FRANCISCO WEFFORT E PAULO RENATO: LIVRO GUARDADO / JOÃO SCORTECCI

Em 1998, o Ministro da Cultura Francisco Weffort e o escritor amazonense Márcio Souza, Presidente da Funarte – Fundação Nacional de Artes, foram os organizadores da obra Um olhar sobre a cultura brasileira, publicada pela Funarte/Ministério da Cultura. Um livro belíssimo, capa dura, formato 21 x 28 cm, 472 páginas, impresso em papel couché matte 90 g, pela Lis Gráfica e Editora. O Presidente da República, na época, era Fernando Henrique Cardoso. No time do MinC – Ministério da Cultura, estavam José Álvaro Moisés, Secretário de Apoio à Cultura, Ottaviano de Fiore, Secretário de Política Cultural do Ministério da Cultura, Eduardo Portella, Presidente da Fundação Biblioteca Nacional, entre outros. Eu estava no meu segundo mandato na CNIC – Comissão Nacional de Incentivo à Cultura, como membro do colegiado da Lei Rouanet, responsável pelas Áreas de Humanidades e Integradas. Durante o 1º. Salão Internacional do Livro de São Paulo, em 1999, no dia 23 de abril – Dia Mundial do Livro e do Direito de Autor –, no estande do MinC no Expo Center Norte, na capital paulista, o Ministro Francisco Weffort (1937 – 2021) e o escritor Márcio Souza autografaram um exemplar da obra para o então Ministro da Educação Paulo Renato (Paulo Renato Costa Souza, 1945 – 2011). Ele recebeu o livro, leu a dedicatória, agradeceu e me entregou o exemplar para eu segurar. Eu acompanhava a comitiva do Ministro Weffort, juntamente dos diretores da CBL – Câmara Brasileira do Livro, do MinC e membros da CNIC. Não percebi – estava desatento – quando o Ministro Paulo Renato deixou o estande e foi embora do evento. Fiquei com o livro. Encontrei-o, depois, algumas vezes, em Brasília, mas o livro autografado acabou ficando “esquecido” em São Paulo, para um encontro especial, que acabou nunca acontecendo. O segundo mandato do Presidente da República Fernando Henrique Cardoso terminou em 2003, e o Ministro Paulo Renato, acabou, infelizmente, falecendo em 25 de junho de 2011. Guardo com o maior carinho e respeito o exemplar autografado, na certeza de que um dia fará parte do Memorial Ministro Paulo Renato ou, quem sabe, do Panteão da Pátria e da Liberdade Tancredo Neves, em Brasília. Tesouro de papel, Deus quis assim. 

João Scortecci

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SPAZIO PIRANDELLO, LOYOLA, ZIRALDO E A GAFE / JOÃO SCORTECCI

Uma história puxa outra! Lendo o post de um amigo nas redes sociais, falando de sua amizade e como conheceu o escritor Ignácio de Loyola Brandão, isso nos anos 1970, voltei, também, no tempo. Conheci o Loyola Brandão no início dos anos 1980, no restaurante Spazio Pirandello – na época, casa da boêmia paulista, dos empresários Wladimir Soares e Antonio Maschio – localizado na Rua Augusta, 311, na cidade de São Paulo. Era no Pirandello – ponto de encontro de intelectuais – que a vida literária e cultural da cidade acontecia, no maior estilo. A casa reunia bar, restaurante, livraria, galeria e antiquário. Lançar um livro no Pirandello era o máximo, sinal de casa cheia, sucesso e venda garantida. Fui, então, ao lançamento do livro Livre & Objeto, da escritora cearense Joyce Cavalcante, amiga da UBE – União Brasileira de Escritores. Conhecia pouca gente, e a vida literária era, até então, uma grande novidade. No meio do agito – restaurante lotado, gente saindo pelo ladrão – avistei, de longe, o escritor e cartunista Ziraldo, autor de Flicts (1969), livro do coração, que ganhei de presente do meu irmão José Henrique, em 1972. “É o Ziraldo!”. Não pensei duas vezes. Fui até ele, na maior cara de pau. “Ziraldo, sou sem fã”. Ele me olhou – sorriu – e disse, ao pé do ouvido: “Pena que eu não sou o Ziraldo! Sou o Ignácio de Loyola Brandão". Minha cara caiu. Perdi o rebolado. Quase morri. Loyola, educado, gentil, percebendo o meu desespero, disse-me: “Conheço o Ziraldo. Obrigado por me confundir com ele”. Comprei o livro da escritora Joyce Cavalcante e fui embora. Fiquei um bom tempo longe do Spazio Pirandello. Um dia, do nada, voltei. Enganos acontecem. Até hoje, quando vejo o Loyola – vez ou outra nos encontramos – lembro-me da gafe. Acontece!   

João Scortecci

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ALEGRIAS E TRISTEZAS DE INA VON BINZER / MARIA MORTATTI

No período imperial brasileiro, seja pela falta de escolas adequadas seja por imitação do costume da nobreza europeia, famílias abastadas, principalmente da elite cafeeira, por meio de anúncios de jornal de oferta ou procura, contratavam preceptoras estrangeiras – francesas, inglesas, alemãs – para educação de seus filhos. Foi assim que Ina von Binzer (3.12.1856 – 17.12.1929), a jovem preceptora alemã então com 25 anos de idade chegou ao Brasil, em 1881. Trazia consigo muitas ideias de como seria o novo país e, na bagagem, as 40 cartas pedagógicas de Bormann – manual alemão em cujo método confiava para os momentos difíceis com os alunos, como aprendera em sua formação para o magistério. Foi contratada inicialmente pelo Dr. Rameiro (?), proprietário da Fazenda São Francisco, na província do Rio de Janeiro, onde, por alguns meses, cuidou da educação de sete de seus doze filhos, ensinando-lhes alemão, francês, música, história, geografia, conhecimentos gerais, entre outros. Pediu demissão por recomendação médica – cansada do excesso de trabalho e da rotina desgastante –, retornando em seguida à atividade em liceu feminino na Corte, onde, por três meses, lecionou inglês, francês e piano. Insatisfeita com a vida no Rio de Janeiro e aconselhada pelo cônsul alemão a se mudar para São Paulo, onde havia mais imigrantes alemães, Ina von Binzer foi contratada pelo Dr. Costa (Martinico da Silva Prado), residente na capital paulista, para a educação de seus filhos, uma “sequência histórica” de nomes romanos: Caio, Plínio, Lavínia, Clélia e Cornélia. Devido a um grave acidente urbano que resultou na morte de um cavalo causada pelo mau comportamento das crianças, o pai enviou quatro delas para internato, e Fräulein Ina perdeu o emprego. Foi, então, contratada pelo Sr. Sousa (Bento Aguiar de Barros) proprietário da Fazenda São Sebastião (São Luís, próxima à cidade de Americana), no interior paulista, para a educação de suas três filhas. Depois de viagem à capital para a festa de Natal com os Schaumann, família proprietária da Botica Veado de Outro, e à cidade de Santos, acompanhando a família Souza, Ina von Binzer encontrou George Hall (nome não confirmado), engenheiro inglês e representante industrial, que fiscalizava a montagem de máquinas agrícolas. Apaixonou-se por ele e deixou o Brasil no início de 1884, retornando à Alemanha, onde passou a se dedicar à carreira de escritora e se casou, assumindo o nome Ina Sofie Amalie von Bentivegni.

Entre maio de 1881 e final de janeiro de 1884, Ina von Binzer escreveu 40 cartas endereçadas à amiga alemã Grete e assinadas com o pseudônimo Ulla von Eck. Foram reunidas no livro Lied und Freud einer Erszierherin in Brazilien, publicado em Berlim, Alemanha, em 1857. Em 1956, foi editada no Brasil, pela editora Anhembi, a primeira tradução, por Alice Rossi e Luisita da Gama Cerqueira, com o título Os meus romanos – Alegrias e tristezas de uma educadora alemã no Brasil – inspirado nos nomes dos filhos de Martinico Silva Prado – e prefaciado pelo escritor Paulo Duarte (1899 – 1984). Em 1980, foi publicada outra edição pela Paz e Terra, com acréscimo de apresentação pelo escritor Antônio Callado (1917 – 1997). O livro continua sendo editado, lido e estudado como fonte documental para historiadores da educação, economia, sociedade, política, gastronomia, entre outros. É também uma das fontes documentais que utilizei na pesquisa para a tese de livre-docência de 1997, publicada no livro Os sentidos da alfabetização  São Paulo – 1876/1994 (Editora Unesp, 2000/2021). 

Do prefácio e da apresentação do livro foram extraídas informações para compor a biografia da autora e ilações sobre referências a pessoas e lugares identificadas nas cartas como nomes fictícios, provavelmente porque, conforme regras missivistas do século XIX, as mulheres deveriam ser contidas em seus sentimentos e discretas. Nas palavras de Paulo Duarte, o livro é “um excelente documentário sobre a vida brasileira do século XIX” e uma “excelente obra literária”. Para estudiosos, o livro pode ser classificado como relato de mulheres viajantes ou romance epistolar ou romance de formação. Nas cartas, estão registrados sentimentos, impressões, vivências, reflexões e informações sobre aspectos culturais, sociais e políticos do final do período imperial brasileiro. Pelo olhar de sua rígida formação europeia-germânica, a jovem preceptora descreve e comenta, ora angustiada ora bem-humorada, aspectos, tais como: sua inadaptação inicial à forma de educação das crianças das famílias abastadas e aos costumes culturais e gastronômicos, a falta de civilidade mas também, por vezes, a cordialidade do povo, as belezas naturais e a culinária –, os problemas sociais como a escravidão dos negros, estranhando o modo como eram tratados, mas deixando transparecer certo preconceito, como no trecho em que relata que o Dr. Costa foi buscá-la na estação em uma carruagem europeia – conversavam em francês durante o percurso –, conduzida por uma “cocheiro preto”, escravo obediente Entre suas observações como educadora, registra a inadaptação e desânimo em relação ao “ensino superficial”, reclamava do salário, da indisciplina, impontualidade e barulho dos alunos, constatando que a pedagogia alemã era inadequada e reconhecendo que se devia adotar aqui uma pedagogia brasileira “calcada nos moldes brasileiros e adaptada ao caráter do povo e às condições da vida doméstica”, pois “O nosso Bormann, ou melhor, suas quarenta cartas pedagógicas que não têm aqui a menor utilidade”. Aos poucos, foi se adaptando, mas não esquecia sua terra natal: “Realmente, estou sendo ingrata, pois todos são tão gentis comigo e o país é lindo como um conto de fadas; mas não posso modificar-me e não me sai da cabeça uma canção: ‘É muito belo um país estranho  mas nunca se tornara uma pátria’”. 

Há 140 anos, Ina von Binzer partia do Brasil. Sua última carta a Grete é assinada como Ulla Hall e em nome também de George Hall. A breve experiência brasileira – especialmente com seus rebeldes e indisciplinados “romanos” – proporcionou-lhe tristezas e alegrias no ofício de preceptora, o encontro encontro com seu futuro marido e, sobretudo, a criação da obra de maior repercussão, pelo que se sabe de sua carreira como escritora. O costume das elites de contratação de preceptoras estrangeiras se estendeu ao início do século XX, como representado em Amar, verbo intransitivo (1927), de Mário de Andrade, inspiração para o filme Lição de amor (1975), de Eduardo Escorel. E as alegrias e tristezas da educadora alemã do século XIX perduram como pioneiro registro de sinceras confidências pessoais a iluminar um capítulo de sua e de nossa história.

Maria Mortatti – 04.01.2024


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PEDRA DE PONTA CURVADA E O “LIVRO DA COZINHA DEL REI” / JOÃO SCORTECCI

“Foi para Portugal perdeu o lugar!” é um ditado de sabedoria milenar. Confesso: não o conhecia. Significado: se algo é abandonado, alguém irá tomar posse, com certeza. O ditado teve origem nas primeiras décadas do século XX, quando muitos portugueses imigraram para o Brasil em busca de trabalho. Hoje a história se inverteu: grande número de brasileiros que foram em busca de trabalho, segurança financeira e qualidade de vida em Portugal acabaram voltando. Não era bem o que imaginavam! Com o tempo, surgiram variações do “Foi para Portugal perdeu o lugar!”, todas na mesma linha: “Foi namorar perdeu o lugar”, “Cochilou o carimbo caiu”. Coleciono – aleatoriamente – ditados populares, em especial os portugueses, que, na sua origem, contam histórias quase sempre engraçadas. Isso desde que descobri que o meu tataravô português – por parte de pai– chamado Monteiro, nascido em Avelar, freguesia portuguesa do Concelho de Ansião, distrito de Leiria, veio para o Brasil depois do grande terremoto que destruiu a cidade de Lisboa, no ano de 1755. Monteiro embarcou para a Capitania do Ceará, fugindo das perseguições religiosas promovidas pelo poderoso primeiro-ministro português Marquês de Pombal, durante o reinado de D. José I (1750 – 1777), conhecido na história como “Período Pombalino”. Monteiro, cristão-novo, fixou residência no lote compreendido da foz do Rio Jaguaribe à foz do Rio Mundaú, região habitada pelos índios Cariris. Tornou-se amigo da tribo, recebendo de presente uma esposa índia. A jovem – uma menina de 13 anos – não queria se casar. Tentou fugir. Foi laçada e amarrada no lombo de uma montaria e levada por Monteiro para a região onde hoje está localizada a cidade de Quixadá, no coração do Ceará. Uma expressão portuguesa que julgo interessante é “meia-tigela”, da época da monarquia portuguesa. Ao povo da Corte – criados, pajens, oficiais – que não morava no palácio servia-se comida, observando as rações previstas no “Livro da Cozinha del Rei”. O manual estipulava a porção de cada um, de acordo com a importância do serviço que prestava. E assim alguns ganhavam tigela inteira; outros, meia tigela. Aqui cabe uma variação do ditado popular “Vivendo e aprendendo”, difundida, entre outros, pelo escritor e crítico literário mineiro Fábio Lucas: “Morrendo e aprendendo!” Tenho dito. 

João Scortecci

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AS LEIS DA POESIA E AS PERCEPÇÕES DO MARKETING / JOÃO SCORTECCI

No ano de 2010, recebi de presente do amigo e editor Milton Mira de Assumpção Filho um exemplar do livro “As 22 consagradas leis de propaganda e marketing”, de Michael Newman. A obra – recomendadíssima – foi base na preparação do seminário “Como vender serviços gráficos e fidelizar clientes” que preparei para profissionais do mercado gráfico. Vez por outra recebo convite para reapresentação do trabalho, o que me obriga – sempre – a revisar o PowerPoint. Faço poucas alterações: incluo casos novos e troco algumas imagens. As 22 “consagradas” leis de propaganda e marketing continuam pertinentes e oportunas. Um amigo e grande publicitário – já falecido – dizia sempre: “Marketing é uma enganação útil e necessária”. Concordo e discordo, muito pelo contrário. Depois da sua prematura morte, ficou um “mantra” nas minhas resoluções de vida empresarial. Ambos cultivávamos a “Lei do marketing da singularidade”: “Em cada situação, apenas um único movimento produz resultados substanciais”. Efeito borboleta! No resto – nas demais leis do marketing – discordávamos, sempre. Nossa amizade intelectual era um exercício de provocações! Estou agora finalizando a releitura do capítulo 4, do livro “As 22 consagradas leis de propaganda e marketing”, de Michael Newman. O capítulo trata do “marketing da percepção”. Resumo: “O marketing nunca será uma batalha de produtos, e sim de percepções!” ou “Uma poesia nunca será uma batalha de palavras, e sim de percepções.” Algo assim. A poesia não dorme, adormece. E quase sempre: salva!

João Scortecci


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DEUS EX MACHINA, A SOLUÇÃO QUE CAI DO CÉU / MARIA MORTATTI

Deus ex machina” (“deus surgido da máquina”) – expressão originada do grego, mas difundida em Latim – designa o recurso técnico utilizado para solucionar desenlaces complicados em tragédias do teatro grego (e romano), como em algumas peças de Ésquilo, Sófocles e Eurípides: um deus aparecia subitamente em cena, por meio de um mecanismo que o fazia descer do teto, podendo se elevar do solo e se movimentar. Em sua Arte poética, o filósofo grego Aristóteles (IV a.C.) advertia, porém, sobre os abusos desse recurso, quando não resultava da lógica interna do enredo: “Ao deus ex machina (...) não se deve recorrer senão em acontecimentos que se dão fora do drama ou no passado, anteriores aos que se desenrolam em cena, ou nos que ao homem é vedado conhecer, ou nos futuros, que necessitam ser preditos ou pronunciados, – pois que aos deuses atribuímos nós o poder”. Outros poetas e filósofos gregos e latinos, como Antiphanes, Platão e Horácio, também criticaram o uso e o abuso do recurso.    

Um dos mais conhecidos usos desse recurso dramático e cênico está no desenlace da peça Medeia, de Eurípedes, encenada em 431 a.C. e baseada em antigo mito grego, mencionado na Odisseia, de Homero, e em peças anteriores do dramaturgo. A protagonista Medeia, filha do rei Eeta e neta do deus Helios – deus Sol na mitologia romana –, foge com Jasão, depois de ajudá-lo a conquistar o Velocino de Ouro e tramar a morte do rei Pélias. Mas, dez anos depois, Jasão a rejeita para se casar com Glauce, filha do rei de Corinto, que a expulsa da cidade com os filhos. Para se vingar, ela assassina Glauce, o rei Corinto e os filhos que teve com Jasão. Ao final da peça, perseguida por Jasão, Medeia é salva da morte pela carruagem de seu avô, Helios, a qual aparece subitamente no alto do palco, por meio do recurso ao deus ex machina, resgatando-a e os corpos dos filhos. Ela, então, foge para Atenas. 

Nesse caso, o deus ex machina é justificado por Aristóteles como necessário para o assombro/temor provocado pelas tragédias, argumento que foi criticado por Friedrich Nietzsche, no século XIX, pelo caráter “otimista” a representar uma falsa sensação de consolo. O recurso foi também utilizado nos “milagres” e “mistérios” – gêneros do teatro medieval, nos séculos XIII e XV, centrados nos milagres de Nossa Senhora, como a dea ex machina que intervinha miraculosamente no desenlace da peça – e pelos dramaturgos renascentistas. Até hoje pode ser identificado em peças de teatro, filmes, narrativas ficcionais e outras expressões artísticas, nem sempre, porém, como recurso necessário ao desenvolvimento ou desenlace do enredo, difundindo-se também críticas, como a de ser uma solução simplista, artificial e incoerente,  por vezes mero truque, que indica falta de capacidade do autor em resolver problemas dramáticos ou cênicos, prejudicando a verossimilhança e a qualidade da obra. Para outros críticos contemporâneos, o recurso se justifica, e seu uso deliberado se torna necessário para a aproximação com a audiência ou leitores ou mesmo para criar efeito cômico.

Por extensão, o recurso criado pelos gregos passou a ser usado correntemente em sentido figurado para indicar algo ou alguém que representa solução repentina e inesperada para um problema insolúvel ou que parecia ser. E, mesmo quando não se conhece a expressão ou não se sabe da história, o deus ex machina continua funcionando como solução – verossímil ou não, otimista ou não, mas que consola, ainda que temporariamente – para nossas cotidianas tragédias e comédias de meros mortais. Algo como a desejada solução que cai do céu.

Maria Mortatti – 27.12.2023



 

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REVISTA "KLAXON", MENSÁRIO DE ARTE MODERNA / JOÃO SCORTECCI

A revista Klaxon foi a primeira publicação modernista brasileira a circular depois da Semana de Arte Moderna, realizada no Theatro Municipal de São Paulo, de 13 a 17 de fevereiro de 1922. Circulou de 15 de maio de 1922 a janeiro de 1923, num total de nove números mensais, os dois últimos em edição dupla. “Klaxon” – nome da marca de uma famosa buzina de automóvel norte-americana que fazia um barulho infernal – foi o título escolhido para a revista, propagando, assim, seu perfil de típica agressividade vanguardista. No comitê de redação, estavam Menotti del Picchia (1892 – 1988) e Guilherme de Almeida (1890 – 1969). Além deles, eram colaboradores: Sérgio Milliet, Oswald de Andrade, Mário de Andrade, Luís Aranha, Rubens Borba de Moraes, Anita Malfatti, Sérgio Buarque de Holanda, Tarsila do Amaral e Graça Aranha, entre outros artistas e escritores. Victor Brecheret (1894 – 1955) e Di Cavalcanti (1897 – 1976) eram os ilustradores. Entre as diversas revistas modernistas que proliferaram no Brasil dos anos 1920, Klaxon sem dúvida foi a mais audaciosa, a mais renovadora e a mais criativa. Destacou-se, ainda, pela publicidade e pela propaganda impactantes para sua época, como o “case” da marca Lacta: o verbo “comer”, no modo imperativo, foi repetido oito vezes na capa, formando um quadrado com a palavra e, dentro dele, um triângulo formado com a repetição da palavra "Lacta". Ousavam também no uso da tipografia, num estilo concretista que só surgiria décadas depois. No site da FBN – Fundação Biblioteca Nacional, encontrei as seguintes informações técnicas sobre a revista Klaxon: Redação: Rua Uruguay, 14, Jardim América, São Paulo; assinatura anual por 12 mil réis, e número avulso por mil réis; era impressa no formato 19 x 27,5 cm, com 20 páginas, aproximadamente; e tinha representantes no Rio de Janeiro (Sérgio Buarque de Holanda), em Genebra, na Suíça, e em Bruxelas, na Bélgica. No editorial do número 1 da Klaxon, há explicações sobre o nome, proposta e desafios. Segue: “A lucta começou de verdade em princípios de 1921 pelas columnas do ‘Jornal do Commercio’ e do ‘Correio Paulistano’. Primeiro resultado: Semana de Arte Moderna – especie de Conselho Internacional de Versalhes. Como este, a Semana teve sua razão de ser. Como elle: nem desastre, nem triumpho. Como elle: deu fructos verdes. Houve erros proclamados em voz alta. Pregaram-se ideias inadmissíveis. É preciso reflectir. É preciso esclarecer. É preciso construir. D'ahi, KLAXON. E Klaxon não se queixará jamais de ser incomprehendido pelo Brasil. O Brasil é que deverá se esforçar para comprehender KLAXON. Klaxon sabe que a vida existe. E, aconselhado por Pascal, visa o presente. KLAXON não se preoccupará de ser novo, mas de ser actual. É essa a grande lei da novidade. KLAXON não é futurista. KLAXON é klaxista”. 

João Scortecci











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A CANÇÃO DOS FANTASMAS NATALINOS DE CHARLES DICKENS / MARIA MORTATTI

A Christmas Carol. In Prose. Being a Ghost Story of Christmas (Uma canção de Natal. Em prosa. Sendo uma história de fantasmas de Natal), é um clássico natalino escrito há 180 anos pelo inglês Charles Dickens (7.2.1812 – 9.9.1870), autor de outras histórias do gênero, além de romances, contos, peças de teatro, artigos em jornal e folhetins semanais, compondo uma obra com personagens que se tornaram icônicos e apreciados por leitores e críticos, em especial pela exposição dos problemas sociais, como pobreza, desemprego, trabalho infantil, condições degradantes do trabalho fabril, na Era Vitoriana (1837 – 1901). Uma canção de Natal foi escrito em apenas seis semanas, por pressão financeira – estava para nascer seu quinto filho – e depois de seu regresso de viagem em que constatou as péssimos condições de vida e trabalho dos pobres ingleses e de educação de crianças pobres em “escolas maltrapilhas”. Dickens tinha então 31 anos de idade, mas já era famoso nos países de língua inglesa, como autor dos romances The Pickwick papers (Os Cadernos de Pickwick), de 1836, e Oliver Twist, de 1837. Uma canção de Natal foi financiado pelo autor – que cuidou meticulosamente da preparação e edição com a alta qualidade que desejava, e foi lançado em Londres, em 19.12.1843, pela Chapman & Hall, com ilustrações de John Leech e preço acessível. Rapidamente se tornou o livro de maior sucesso da época. A primeira edição se esgotou na véspera daquele Natal: foram vendidos mais de 6.000 exemplares ou 16.500, conforme outros registros. Em 1844, teve mais de 13 edições, e sua popularidade continua até os dias atuais. Além das reedições e traduções integrais para muitos idiomas, durante 180 anos teve mais de 100 versões ou adaptações para livro, cinema, TV, teatro, balé, ópera, videogame, história em quadrinhos...

Nos moldes de carol (canção natalina), o livro está estruturado em cinco estrofes/capítulos em prosa, em que se narra a história de Ebenezer Scrooge, um velho avarento e egoísta, que odeia o Natal e tinha “gelo na alma”. Na noite da véspera de Natal, recebe a visita de três fantasmas/espíritos natalinos – histórias de fantasmas contadas no Natal eram uma tradição vitoriana. O Fantasma dos Natais Passados o faz recordar o jovem de bons sentimentos que fora. Com o Fantasma do Natal de Hoje viu seu isolamento e solidão. O Fantasma dos Natais Futuros lhe mostrou a tristeza da indiferença em relação a sua morte, se continuasse a não se importar com a dor e sofrimento das pessoas, que o fantasma o fez ver. Ele se arrepende e se torna um homem generoso que passa a personificar o espírito do Natal e defender as festas natalinas. O nome "Scrooge", porém, passou a ser usado correntemente com o sentido figurado de "sovina", "pão-duro".

Como acontece na criação literária, pode-se presumir que, nessa e nas outras histórias que escreveu, Dickens se inspirou em experiências de sua vida. Filho de escrivão, com dificuldades financeiras que levaram o pai à prisão, Dickens foi obrigado a abandonar estudos escolares com 15 anos de idade, para trabalhar em fábrica de graxa, depois em escritório e depois como jornalista. Essas experiências contribuíram para sua defesa de causas sociais em favor dos mais pobres, por meio da criação literária e de suas atividades em campanhas e organizações de caridade. Mas há também marcas menos generosos em sua biografia. Em 1836, casou-se com Catherine Thomson Hogarth Dickens (19.5.1815 – 22.11.1879), filha de George Hogarth, jornalista, editor de jornal, crítico musical e escritor. O casal viveu junto durante 15 anos e teve 10 filhos, além de dois abortados espontaneamente. Em 1858, Dickens exigiu a separação conjugal – divórcio era um escândalo para a época –, alegando que Catherine perdera a beleza e as qualidades de esposa, mãe e dona de casa, com que ele sonhara, e lhe dava muitos filhos cujo sustento lhe causava graves dificuldades financeiras. Como criativo “método contraceptivo”, contam seus biógrafos que ele passou a usar uma estante de livros para separar os corpos, no quarto do casal.  E a crueldade com a esposa chegou ao ponto de exigir sua internação em manicômio, o que foi recusado pelo médico. Dickens, então, expulsou-a da casa em que moravam, deixando-a levar apenas um dos filhos; os demais foram criados por ele com a ajuda de uma das irmãs de Catherine, que, especulava-se, mantinha também relacionamento mais íntimo com o cunhado. Sabia-se, porém, que, além de outros possíveis casos extraconjugais de Dickens, o motivo da separação, não assumido publicamente, era o relacionamento do escritor com a jovem atriz inglesa, Ellen Ternan – que Catherine descobriu devido a um bracelete que foi equivocadamente entregue em seu endereço... . Conforme relato de sua tataraneta, Catherine era escritora, atriz e cozinheira – lançou livro de receitas para donas de casa –, mas foi apagada pelo casamento com o grande escritor que se tornou famoso, mundialmente conhecido por seus livros e pelas leituras públicas de sua obra – atividade de sucesso em que foi pioneiro. Em 1865, Dickens sofreu um derrame cerebral e faleceu com 58 anos de idade, deixando inacabado seu último romance The mystery of Edwin Drood. Catherine faleceu 14 anos depois, com 64 anos de idade. Mais recentemente, vem sendo redescoberta, para além de “esposa de Charles Dickens”. 

Uma canção de Natal se tornou um clássico e sinônimo de festa natalina como conhecemos hoje no Ocidente cristão. Dickens é lembrado como um dos escritores mais importantes e influentes do século XIX, que soube encontrar o equilíbrio entre arte e entretenimento, conquistando a admiração de críticos literários, escritores e leitores. As pessoas se aglomeravam para assistir a suas leituras dramáticas de cenas de seus livros. O escritor russo Fiódor Dostoiévski se sentiu honrado ao conhecê-lo, quando visitava a Grã-Bretanha. O escritor inglês William M. Thackeray, um dos eminentes romancistas vitorianos, embora rival literário de Dickens, reconheceu a relevância de A Christmas carol: "um benefício nacional e, para cada homem ou mulher que o lê, uma delicadeza pessoal”.  E eu, nesta véspera de Natal na terceira década do século XXI, ao reler Uma canção de Natal e escrever este texto, reencontro a grandeza do legado de Dickens, apesar ou por causa das contradições entre a crueldade do homem, a generosidade do “engajamento” social e a qualidade estética de sua obra. Constato, assim, mais uma vez, que, em certos ou em todos os casos, o autor, como tal, existe na obra que cria, menos como reflexo ou refração de si e seu tempo do que como projeção do desejo de também receber a visita dos espíritos de Natal. Em qualquer tempo. Se existirem.

Maria Mortatti – 24.12.2023 

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HOUAISS E O "ENTERRO DOS OSSOS" / JOÃO SCORTECCI

Enterro dos ossos! Ricos e pobres – cada um na sua – costumam, depois das festas de final de ano, celebrar, em data única, o enterro dos ossos. Missão – quase – impossível. Sempre sobra alguma coisa que acaba indo para o lixo. No Ceará dos anos 1960, mamãe Nilce desfiava o peru. Isso na ceia de Natal. No dia seguinte, a carcaça enriquecia a canja das almas, e as sobras, a farofa de ovo com banana! Na virada do Ano Novo, era a vez do pernil. Repeteco gastronômico. Todo ano a mesma promessa: muita comida! Desperdício. Menos com as sobremesas: pudim, pavê, mousse de chocolate, manjar, doce de leite com queijo branco, quindim e sorvete. Já viu alguém levar para casa – depois da comilança – marmita de sobremesa? Eu. Existe a turma da fruta. Respeito, claro. “Enterro dos ossos”, no Dicionário Houaiss da língua portuguesa, significa “banquete, aproveitando o que sobrou”. O amigo Antônio Houaiss era um “crânio” brilhante. Gostava de contar causos gastronômicos e, quando o fazia, usava toda a maestria de um filólogo gourmet. No final dos anos 1980, eu, Houaiss e o escritor e artista plástico Enio Squeff combinamos de comer uma "pasta" no restaurante Gigetto. O Mestre Houaiss adorava pratos exóticos, impróprios, explosivos, quase mortais. Perguntei-lhe: “Qual de todos os pratos lhe foi mais difícil comer?”. Houaiss nos surpreendeu: “Cérebro de macaquinho vivo!”. Depois, sem pressa, fatiou-nos com sabedoria e inteligência sua cerebral aventura, num pequeno país do leste europeu. O estômago virou. O povo do restaurante, vizinhos de mesa e até os garçons fecharam o cerco para saborear a contação do Mestre. Privilégio! Desisti da "pasta". Houaiss, não. Comeu com gosto. Tarde da noite, o restaurante se esvaziou e tiveram – infelizmente – de fechar. Já era hora de partir. “Sobremesa?” “Não”, respondi. Talvez tenha sido a única vez na vida em que recusei um pudim de leite, um Petit gateau ou um Romeu e Julieta. Lá fora – na pauliceia desvairada – acontecia uma prévia alvorada. Mestre Houaiss nunca mais se repetiu na minha vida. Foi quase uma despedida. Faleceu no dia 7 de março de 1999, aos 83 anos de idade. Lembro-me de um assunto daquela noite: viver para o “enterro dos ossos” da virada do século. Não deu tempo.

João Scortecci

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REVISTA "PRESENÇA" E O MODERNISMO PORTUGUÊS / JOÃO SCORTECCI

A revista portuguesa Presença – Folha de Arte e Crítica foi uma das mais influentes revistas literárias do Século XX. Foi lançada em Coimbra, a 10 de março de 1927, sendo publicados 54 números, durante 13 anos, até à sua extinção em 1940. A revista foi fundada por João Gaspar Simões e Branquinho da Fonseca e dirigida pelos dois e pelo poeta, dramaturgo, memorialista e historiador José Régio (José Maria dos Reis Pereira, 1901 – 1969).  Presença defendeu a criação de uma literatura mais viva, livre, oposta ao academismo e jornalismo rotineiro, primando pela crítica, pela predominância do individual sobre o coletivo, do psicológico sobre o social, da intuição sobre a razão. O Modernismo português teve início nos primeiros anos do século XX e desenvolveu-se até o final do Estado Novo, na década de 1970. Trata-se de um período amplo da história da literatura portuguesa, no qual três diferentes momentos podem ser observados: o Orfismo – fundado por artistas plásticos e escritores, entre eles Fernando Pessoa, Mário de Sá-Carneiro, Almada Negreiros, Raul Leal, Luís de Montalvor e o brasileiro Ronald de Carvalho (Ronald Arthur Paula e Silva de Carvalho, 1893 – 1935); o Presencismo – representado por importantes nomes, entre eles os escritores José Régio, Miguel Torga, João Gaspar Simões, Adolfo Casais Monteiro e Branquinho da Fonseca; e o Neorrealismo – corrente artística moderna de vanguarda, com influência socialista, comunista e marxista. O marco inicial da literatura neorrealista portuguesa foi a publicação do romance “Gaibéus” de Alves Redol (António Alves Redol, 1911 – 1969), em 1940. “Gaibéus” são camponeses da província portuguesa do Norte do Ribatejo ou da Beira Baixa que vão trabalhar nas lezírias durante a ceifa do arroz. Destacam-se, ainda, os escritores: Ferreira de Castro, Mario Dionísio, Manuel da Fonseca, Fernando Namora e Soeiro Pereira Gomes. O Neorrealismo ocorreu em diversos países europeus e teve influência no Brasil, com temáticas notadamente nacionalistas e regionalistas. O romancista, ensaísta, poeta, advogado, professor, folclorista e sociólogo Zé Américo (José Américo de Almeida, 1887 – 1980) com sua obra A Bagaceira (1928), marca o início do romance regionalista no Brasil. Outros importantes nomes: Rachel de Queiroz, Graciliano Ramos, Jorge Amado, José Lins do Rego e Érico Veríssimo.  

João Scortecci


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LÍNGUA FERINA E A DAMA QUE TINHA UM CRAVO NA BOCA / JOÃO SCORTECCI

“Alcunha” – do árabe “al-kunya”: apelido que substitui um nome próprio. São também sinônimos de “alcunha” as palavras “apodo”, “antonomásia”, “cognome” e “epíteto”. Alcunhado de “Boca do Inferno”, o poeta e advogado luso-brasileiro Gregório de Matos (Gregório de Matos Guerra, 1636 – 1696) é considerado um dos maiores poetas do Barroco (estilo marcado pelo rebuscamento, requinte e exagero de adornos) e o mais importante poeta satírico da literatura em língua portuguesa do Brasil colonial. Ganhou o “cognome” por sua ousadia em criticar padres, freiras, a Igreja católica e autoridades políticas: “Ninguém vê, ninguém fala, nem impugna,/ E é que quem o dinheiro nos arranca,/ Nos arranca as mãos, a língua, os olhos.” Gregório de Matos é também considerado um poeta “pornográfico” e um poeta maldito (“poète maudit”), praticante da desobediência absoluta, da rejeição a toda e qualquer regra imposta e da recusa em pertencer a qualquer ideologia instituída. Em 1685, o promotor eclesiástico da Bahia o denunciou ao tribunal da Inquisição. Em 1694 foi deportado para Angola, onde permaneceu por um ano. Voltou ao Brasil e foi morar no Recife/PE, com a proibição de não pisar na Bahia. Escreveu: “Quanto mais que é escusado/ na boca o cravo: porque/ prefere, como se vê/ na cor todo o nacarado:/ e o mais subido encarnado/ é de vossa boca escravo:/ não vos fez nenhum agravo/ ele de vos dar querela,/ que menina, que é tão bela,/ sempre tem boca de cravo.” Gregório de Matos morreu no Recife, aos 59 anos de idade, vitimado por uma febre contraída em Angola.

João Scortecci


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"O HOMEM É O LOBO DO HOMEM" / JOÃO SCORTECCI

Asinaria - Comédia do asno - é uma peça do dramaturgo romano Plauto (Tito Mácio Plauto, c. 230 a.C. – 180 a.C.), que viveu durante o período republicano e é autor da célebre frase “Lupus est homo homini, non homo, quom qualis sit non novit.” (“O homem que não se conheça tal como é, é lobo para o homem.”).  Plauto, na Comédia do asno – conta a história de Demêneto, um senhor avarento que ludibriou sua rica mulher de todas as formas possíveis para conseguir seu dinheiro. Plauto escreveu 21 peças, no período entre 205 a.C. e 184 a.C. Suas comédias estão entre as obras mais antigas em latim preservadas integralmente até os dias de hoje. A célebre frase do romano Plauto foi popularizada pelo matemático, teórico político e filósofo inglês Thomas Hobbes (1588 – 1679), no seu livro Leviatã, quando reafirmou: “O homem é o lobo do homem”. Thomas Hobbes nasceu em Westport, na Inglaterra. Filho de um clérigo anglicano, foi criado e educado por um tio. Aos 15 anos de idade, foi matriculado na Magdalen Hall da Universidade de Oxford, onde se formou em 1608. Durante toda a sua vida esteve conectado com a monarquia inglesa. Entre 1621 e 1625, foi secretário do político, do cientista Francis Bacon (1561 – 1626), ajudando-o a traduzir alguns de seus ensaios para o latim. A obra Leviatã – referência ao monstro bíblico homônimo – ou “Matéria, palavra e poder de um governo eclesiástico e civil”, foi publicada em 1651. Diz respeito à estrutura da sociedade e do governo legítimo e é considerada um dos exemplos mais antigos e mais influentes da teoria do contrato social. Hobbes alega serem os humanos egoístas, egocêntricos e inseguros por natureza, quando reafirma o pensamento de Plauto: “O homem é o lobo do homem”. Que ele – o homem – necessita de um soberano que puna aqueles que não obedecem ao contrato social: “Onde não existe governo ou lei, os homens naturalmente caem em discórdia”. Thomas Hobbes faleceu em Hardwick Hall, Inglaterra, no dia 4 de dezembro de 1679, com 91 anos de idade. Em seus últimos anos de vida, deixou como legado a tradução da Ilíada e da Odisseia para a língua inglesa. 

João Scortecci


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